Ζυλ Μασνέ |

Ζυλ Μασνέ

Massenet. Ελεγεία (F. Chaliapin / 1931)

Ποτέ ο M. Massenet δεν έδειξε, όπως και στον «Βέρθερ» τις μαγευτικές ιδιότητες του ταλέντου που τον έκανε μουσικό ιστορικό της γυναικείας ψυχής. C. Debussy

Ω πώς ναυτία Massenet!!! Και αυτό που είναι πιο ενοχλητικό από όλα είναι ότι σε αυτό ναυτία Νιώθω κάτι που σχετίζεται με εμένα. Π. Τσαϊκόφσκι

Ο Debussy με εξέπληξε υπερασπιζόμενος αυτή τη ζαχαροπλαστική (Μανόν του Massenet). Ι. Στραβίνσκι

Κάθε Γάλλος μουσικός έχει λίγο Massenet στην καρδιά του, όπως κάθε Ιταλός έχει λίγο Verdi και Puccini. F. Poulenc

Διαφορετικές απόψεις συγχρόνων! Δεν περιέχουν μόνο έναν αγώνα γεύσεων και φιλοδοξιών, αλλά και την ασάφεια του έργου του J. Massenet. Το κύριο πλεονέκτημα της μουσικής του είναι στις μελωδίες, τις οποίες, σύμφωνα με τον συνθέτη A. Bruno, «θα τις αναγνωρίσεις ανάμεσα σε χιλιάδες». Τις περισσότερες φορές συνδέονται στενά με τη λέξη, εξ ου και η εξαιρετική ευελιξία και εκφραστικότητά τους. Η γραμμή μεταξύ μελωδίας και ρετσιτάτιου είναι σχεδόν ανεπαίσθητη, και ως εκ τούτου οι σκηνές όπερας του Massenet δεν χωρίζονται σε κλειστούς αριθμούς και επεισόδια «υπηρεσίας» που τα συνδέουν, όπως συνέβη με τους προκατόχους του – Ch. Gounod, A. Thomas, F. Halevi. Οι απαιτήσεις της εγκάρσιας δράσης, του μουσικού ρεαλισμού ήταν οι πραγματικές απαιτήσεις της εποχής. Ο Massenet τους ενσάρκωσε με έναν πολύ γαλλικό τρόπο, αναστώντας με πολλούς τρόπους τις παραδόσεις που χρονολογούνται από τον JB Lully. Ωστόσο, η απαγγελία του Massenet βασίζεται όχι στην επίσημη, ελαφρώς πομπώδη απαγγελία τραγικών ηθοποιών, αλλά στον άτεχνο καθημερινό λόγο ενός απλού ανθρώπου. Αυτή είναι η κύρια δύναμη και η πρωτοτυπία των στίχων του Massenet, αυτός είναι και ο λόγος για τις αποτυχίες του όταν στράφηκε στην τραγωδία του κλασικού τύπου (“The Sid” κατά τον P. Corneille). Γεννημένος στιχουργός, τραγουδιστής οικείων κινήσεων ψυχής, ικανός να δώσει ιδιαίτερη ποίηση στις γυναικείες εικόνες, αναλαμβάνει συχνά τις τραγικές και πομπώδεις πλοκές της «μεγάλης» όπερας. Το θέατρο της Opera Comique δεν του αρκεί, πρέπει να βασιλέψει και στη Μεγάλη Όπερα, για την οποία κάνει σχεδόν μεγιερμπέρικες προσπάθειες. Έτσι, σε μια συναυλία από τη μουσική διαφόρων συνθετών, ο Massenet, κρυφά από συναδέλφους του, προσθέτει μια μεγάλη μπάντα χάλκινων πνευστών στη μουσική του και, κωφεύοντας το κοινό, αποδεικνύεται ο ήρωας της ημέρας. Ο Massenet προσδοκά μερικά από τα επιτεύγματα των C. Debussy και M. Ravel (ύφος απαγγελίας στην όπερα, κορυφαίες συγχορδίες, στυλιζάρισμα της πρώιμης γαλλικής μουσικής), αλλά, δουλεύοντας παράλληλα με αυτά, εξακολουθεί να παραμένει στην αισθητική του XNUMXου αιώνα.

Η μουσική καριέρα του Massenet ξεκίνησε με την εισαγωγή του στο ωδείο σε ηλικία δέκα ετών. Σύντομα η οικογένεια μετακομίζει στο Chambéry, αλλά ο Jules δεν μπορεί χωρίς το Paris και φεύγει από το σπίτι δύο φορές. Μόνο η δεύτερη προσπάθεια ήταν επιτυχής, αλλά το δεκατετράχρονο αγόρι γνώριζε όλη την άστατη ζωή της καλλιτεχνικής μποημίας που περιγράφεται στο Scenes… από τον A. Murger (τον οποίο γνώριζε προσωπικά, καθώς και τα πρωτότυπα των Schoenard και Musetta). Έχοντας ξεπεράσει χρόνια φτώχειας, ως αποτέλεσμα σκληρής δουλειάς, ο Massenet κερδίζει το Βραβείο Μεγάλης Ρώμης, το οποίο του έδωσε το δικαίωμα σε ένα τετραετές ταξίδι στην Ιταλία. Από το εξωτερικό, επιστρέφει το 1866 με δύο φράγκα στην τσέπη και με μια μαθήτρια πιάνου, η οποία τότε γίνεται γυναίκα του. Η περαιτέρω βιογραφία του Massenet είναι μια συνεχής αλυσίδα διαρκώς αυξανόμενων επιτυχιών. Το 1867 ανέβηκε η πρώτη του όπερα, Η μεγάλη θεία, ένα χρόνο αργότερα απέκτησε μόνιμο εκδότη και οι ορχηστρικές του σουίτες γνώρισαν επιτυχία. Και τότε ο Massenet δημιούργησε όλο και πιο ώριμα και σημαντικά έργα: τις όπερες Don Cesar de Bazan (1872), The King of Lahore (1877), το ορατόριο-όπερα Mary Magdalene (1873), μουσική για τις Ερινύες του C. Leconte de Lily. (1873) με την περίφημη «Ελεγεία», η μελωδία της οποίας εμφανίστηκε ήδη από το 1866 ως ένα από τα Δέκα Πιάνο - το πρώτο δημοσιευμένο έργο του Massenet. Το 1878, ο Massenet έγινε καθηγητής στο Ωδείο του Παρισιού και εξελέγη μέλος του Ινστιτούτου της Γαλλίας. Βρίσκεται στο επίκεντρο της προσοχής του κοινού, απολαμβάνει την αγάπη του κοινού, είναι γνωστός για την αιώνια ευγένεια και εξυπνάδα του. Το αποκορύφωμα του έργου του Massenet είναι οι όπερες Manon (1883) και Werther (1886) και μέχρι σήμερα ακούγονται στις σκηνές πολλών θεάτρων σε όλο τον κόσμο. Μέχρι το τέλος της ζωής του, ο συνθέτης δεν επιβράδυνε τη δημιουργική του δραστηριότητα: χωρίς να ξεκουράζει τον εαυτό του ή τους ακροατές του, έγραφε όπερα μετά από όπερα. Η ικανότητα μεγαλώνει, αλλά οι καιροί αλλάζουν και το στυλ του παραμένει αμετάβλητο. Το δημιουργικό δώρο μειώνεται αισθητά, ειδικά την τελευταία δεκαετία, αν και ο Massenet εξακολουθεί να απολαμβάνει σεβασμό, τιμή και όλες τις εγκόσμιες ευλογίες. Αυτά τα χρόνια γράφτηκαν οι όπερες Thais (1894) με τον περίφημο Διαλογισμό, Ο ζογκλέρ της Παναγίας (1902) και Δον Κιχώτης (1910, μετά τον J. Lorrain), που δημιουργήθηκαν ειδικά για τον F. Chaliapin.

Ο Massenet είναι ρηχός, θεωρείται μόνιμος εχθρός και αντίπαλος του K. Saint-Saens, «αλλά δεν έχει σημασία». «… Η τέχνη χρειάζεται καλλιτέχνες όλων των ειδών… Είχε γοητεία, την ικανότητα να γοητεύει και ένα νευρικό, αν και ρηχό ταμπεραμέντο… Θεωρητικά, δεν μου αρέσει αυτό το είδος μουσικής… Αλλά πώς μπορείς να αντισταθείς όταν ακούς τη Manon στα πόδια του de Grieux στο σκευοφυλάκιο του Saint-Sulpice; Πώς να μην αιχμαλωτιστείς στα βάθη της ψυχής από αυτούς τους λυγμούς αγάπης; Πώς να σκεφτείς και να αναλύσεις αν σε αγγίζουν;

Ε. Πουκάμισο

Γιος ενός ιδιοκτήτη ορυχείου σιδήρου, ο Massenet λαμβάνει τα πρώτα του μαθήματα μουσικής από τη μητέρα του. στο Ωδείο του Παρισιού σπούδασε με τους Savard, Lauren, Bazin, Reber και Thomas. Το 1863 τιμήθηκε με το βραβείο της Ρώμης. Έχοντας αφοσιωθεί σε διάφορα είδη, εργάζεται με ζήλο και στον θεατρικό χώρο. Το 1878, μετά την επιτυχία του The King of Lahore, διορίστηκε καθηγητής σύνθεσης στο ωδείο, θέση που κράτησε μέχρι το 1896, όταν, έχοντας αποκτήσει παγκόσμια φήμη, άφησε όλες τις θέσεις, συμπεριλαμβανομένου του διευθυντή του Institut de France.

«Ο Massenet συνειδητοποίησε πλήρως τον εαυτό του και αυτός που, θέλοντας να τον τσιμπήσει, μίλησε κρυφά για αυτόν ως μαθητή του μοντέρνου τραγουδοποιού Paul Delmay, άρχισε ένα κακόγουστο αστείο. Ο Massenet, αντίθετα, τον μιμήθηκαν πολύ, είναι αλήθεια… οι αρμονίες του είναι σαν αγκαλιές και οι μελωδίες του είναι σαν κυρτός λαιμός… Φαίνεται ότι ο Massenet έγινε θύμα των όμορφων ακροατών του, των οποίων οι θαυμαστές φτερούγαζαν με ενθουσιασμό για πολλή ώρα. παραστάσεις… Ομολογώ, δεν καταλαβαίνω γιατί είναι καλύτερο να αρέσουν οι ηλικιωμένες, οι εραστές του Βάγκνερ και οι κοσμοπολίτισσες, παρά οι αρωματισμένες κοπέλες που δεν παίζουν πολύ καλά πιάνο. Αυτοί οι ισχυρισμοί του Debussy, ειρωνικά κατά μέρος, είναι μια καλή ένδειξη του έργου του Massenet και της σημασίας του για τη γαλλική κουλτούρα.

Όταν δημιουργήθηκε ο Manon, άλλοι συνθέτες είχαν ήδη καθορίσει τον χαρακτήρα της γαλλικής όπερας καθ' όλη τη διάρκεια του αιώνα. Σκεφτείτε το Faust του Gounod (1859), το ημιτελές Les Troyens του Berlioz (1863), το The African Woman (1865) του Meyerbeer, το Mignon του Thomas (1866), το Carmen του Bizet (1875), το Samson and Delilah του Saint-Saens (1877), «The Ta του Hoffmann» του Offenbach (1881), «Lakme» του Delibes (1883). Εκτός από την παραγωγή όπερας, άξια αναφοράς είναι τα σημαντικότερα έργα του Σεζάρ Φρανκ, που γράφτηκαν μεταξύ 1880 και 1886, τα οποία έπαιξαν τόσο σημαντικό ρόλο στη δημιουργία μιας αισθησιακής-μυστικής ατμόσφαιρας στη μουσική του τέλους του αιώνα. Ταυτόχρονα, ο Lalo μελέτησε προσεκτικά τη λαογραφία και ο Debussy, που τιμήθηκε με το βραβείο της Ρώμης το 1884, ήταν κοντά στην τελική διαμόρφωση του στυλ του.

Όσο για άλλες μορφές τέχνης, ο ιμπρεσιονισμός στη ζωγραφική έχει ήδη ξεπεράσει τη χρησιμότητά του και οι καλλιτέχνες στράφηκαν τόσο στη νατουραλιστική όσο και στη νεοκλασική, νέα και δραματική απεικόνιση μορφών, όπως ο Σεζάν. Ο Ντεγκά και ο Ρενουάρ κινήθηκαν πιο αποφασιστικά σε μια νατουραλιστική απεικόνιση του ανθρώπινου σώματος, ενώ ο Σευρά το 1883 εξέθεσε τον πίνακα του «Bathing», στον οποίο η ακινησία των μορφών σηματοδότησε μια στροφή σε μια νέα πλαστική δομή, ίσως συμβολική, αλλά ακόμα συγκεκριμένη και καθαρή. . Ο συμβολισμός μόλις άρχιζε να διαφαίνεται στα πρώτα έργα του Γκωγκέν. Η νατουραλιστική κατεύθυνση (με χαρακτηριστικά συμβολισμού σε κοινωνικό υπόβαθρο), αντίθετα, είναι πολύ σαφής αυτή την εποχή στη λογοτεχνία, ειδικά στα μυθιστορήματα του Ζολά (το 1880 εμφανίστηκε η Νανά, ένα μυθιστόρημα από τη ζωή μιας εταίρας). Γύρω από τον συγγραφέα, σχηματίζεται μια ομάδα που στρέφεται στην εικόνα μιας πιο αντιαισθητικής ή τουλάχιστον ασυνήθιστης πραγματικότητας για τη λογοτεχνία: μεταξύ 1880 και 1881, ο Maupassant επιλέγει έναν οίκο ανοχής ως σκηνικό για τις ιστορίες του από τη συλλογή «The House of Tellier».

Όλες αυτές οι ιδέες, οι προθέσεις και οι τάσεις μπορούν να βρεθούν εύκολα στη Μανόν, χάρη στην οποία ο συνθέτης συνέβαλε στην τέχνη της όπερας. Αυτό το ταραχώδες ξεκίνημα ακολούθησε μια μακρά υπηρεσία στην όπερα, κατά την οποία δεν βρέθηκε πάντα κατάλληλο υλικό για να αποκαλύψει τα πλεονεκτήματα του συνθέτη και η ενότητα της δημιουργικής ιδέας δεν διατηρήθηκε πάντα. Κατά συνέπεια, παρατηρούνται διάφορα είδη αντιφάσεων σε επίπεδο στυλ. Ταυτόχρονα, μεταβαίνοντας από το βερίσμο στην παρακμή, από ένα παραμύθι σε μια ιστορική ή εξωτική ιστορία με ποικίλη χρήση φωνητικών μερών και ορχήστρας, ο Massenet δεν απογοήτευσε ποτέ το κοινό του, έστω και μόνο χάρη στο άριστα κατασκευασμένο ηχητικό υλικό. Σε οποιαδήποτε από τις όπερες του, ακόμα κι αν δεν είχαν επιτυχία στο σύνολό τους, υπάρχει μια αξιομνημόνευτη σελίδα που ζει μια ανεξάρτητη ζωή έξω από το γενικό πλαίσιο. Όλες αυτές οι συνθήκες εξασφάλισαν τη μεγάλη επιτυχία του Massenet στη δισκογραφική αγορά. Τελικά, τα καλύτερα παραδείγματά του είναι εκείνα στα οποία ο συνθέτης είναι πιστός στον εαυτό του: λυρικός και παθιασμένος, τρυφερός και αισθησιακός, μεταφέροντας το δέος του στα μέρη των κύριων χαρακτήρων που είναι πιο συντονισμένα μαζί του, εραστές, των οποίων τα χαρακτηριστικά δεν είναι ξένα με την επιτήδευση. συμφωνικών λύσεων, που επιτυγχάνονται με ευκολία και χωρίς περιορισμούς μαθητών.

G. Marchesi (μτφρ. E. Greceanii)

Ο συγγραφέας είκοσι πέντε όπερων, τριών μπαλέτων, δημοφιλών ορχηστρικών σουιτών (Νεαπολίτικη, Αλσατίας, Scenes Picturesque) και πολλών άλλων έργων σε όλα τα είδη μουσικής τέχνης, ο Massenet είναι ένας από εκείνους τους συνθέτες των οποίων η ζωή δεν γνώρισε σοβαρές δοκιμασίες. Το μεγάλο ταλέντο, το υψηλό επίπεδο επαγγελματικής ικανότητας και το λεπτό καλλιτεχνικό ταλέντο τον βοήθησαν να αποκτήσει δημόσια αναγνώριση στις αρχές της δεκαετίας του '70.

Ανακάλυψε νωρίς τι ταίριαζε στην προσωπικότητά του. Έχοντας επιλέξει το θέμα του, δεν φοβήθηκε να επαναληφθεί. Έγραφε εύκολα, χωρίς δισταγμό, και για χάρη της επιτυχίας ήταν έτοιμος να κάνει έναν δημιουργικό συμβιβασμό με τα γούστα που επικρατούσαν στο αστικό κοινό.

Ο Ζυλ Μασνέ γεννήθηκε στις 12 Μαΐου 1842, ως παιδί μπήκε στο Ωδείο του Παρισιού, από το οποίο αποφοίτησε το 1863. Αφού έμεινε ως βραβευμένος για τρία χρόνια στην Ιταλία, επέστρεψε το 1866 στο Παρίσι. Ξεκινά μια επίμονη αναζήτηση τρόπων δόξας. Ο Massenet γράφει τόσο όπερες όσο και σουίτες για ορχήστρα. Αλλά η ατομικότητά του εκδηλώθηκε πιο ξεκάθαρα σε φωνητικά έργα ("Ποιμαντικό ποίημα", "Ποίημα του χειμώνα", "Ποίημα Απριλίου", "Οκτωβριανό ποίημα", "Ποίημα αγάπης", "Ποίημα αναμνήσεων"). Αυτά τα έργα γράφτηκαν υπό την επιρροή του Σούμαν. σκιαγραφούν τη χαρακτηριστική αποθήκη του ariose φωνητικού στυλ του Massenet.

Το 1873, τελικά κερδίζει την αναγνώριση – πρώτα με τη μουσική για την τραγωδία του Αισχύλου «Εριννία» (ελεύθερη μετάφραση Λεκόντ ντε Λισλ), και στη συνέχεια – το «ιερό δράμα» «Μαρία Μαγδαληνή», που ερμηνεύτηκε σε συναυλία. Με ειλικρινή λόγια, η Bizet συνεχάρη τον Massenet για την επιτυχία του: «Το νέο μας σχολείο δεν δημιούργησε ποτέ κάτι τέτοιο. Με οδήγησες σε πυρετό, κακό! Ω, εσύ, βαρύς μουσικός… Ανάθεμα, με ενοχλείς με κάτι! ...». «Πρέπει να δώσουμε προσοχή σε αυτόν τον άνθρωπο», έγραψε ο Μπιζέ σε έναν από τους φίλους του. «Κοίτα, θα μας συνδέσει στη ζώνη».

Ο Bizet προέβλεψε το μέλλον: σύντομα ο ίδιος τελείωσε μια σύντομη ζωή και ο Massenet στις επόμενες δεκαετίες πήρε ηγετική θέση μεταξύ των σύγχρονων Γάλλων μουσικών. Οι δεκαετίες του '70 και του '80 ήταν τα πιο λαμπρά και γόνιμα χρόνια στο έργο του.

Η «Μαρία Μαγδαληνή», που ανοίγει αυτήν την περίοδο, είναι πιο κοντά στον χαρακτήρα της όπερας παρά σε ένα ορατόριο και η ηρωίδα, μια μετανοημένη αμαρτωλή που πίστεψε στον Χριστό, που εμφανίστηκε στη μουσική του συνθέτη ως σύγχρονη Παριζιάνα, ζωγραφίστηκε στα ίδια χρώματα. όπως η εταίρα Μανόν. Σε αυτό το έργο καθορίστηκε ο αγαπημένος κύκλος εικόνων και εκφραστικών μέσων του Massenet.

Ξεκινώντας με τον γιο του Δουμά και αργότερα τους Γκονκούρ, μια γκαλερί γυναικείων τύπων, χαριτωμένη και νευρική, εντυπωσιακή και εύθραυστη, ευαίσθητη και παρορμητική, καθιερώθηκε στη γαλλική λογοτεχνία. Συχνά πρόκειται για σαγηνευτικές μετανοημένες αμαρτωλές, «κυρίες του μισού κόσμου», που ονειρεύονται την άνεση μιας οικογενειακής εστίας, της ειδυλλιακής ευτυχίας, αλλά σπασμένες στον αγώνα ενάντια στην υποκριτική αστική πραγματικότητα, αναγκασμένες να εγκαταλείψουν τα όνειρα, από ένα αγαπημένο πρόσωπο, από ΖΩΗ … (Αυτό είναι το περιεχόμενο των μυθιστορημάτων και των θεατρικών έργων του γιου του Δουμά: Η κυρία των καμέλιων (μυθιστόρημα – 1848, θεατρική παράσταση – 1852), Νταϊάνα ντε Λιζ (1853), Η κυρία του μισού κόσμου (1855)· βλ. επίσης μυθιστορήματα των αδερφών Goncourt "Rene Mauprin" (1864), Daudet "Sappho" (1884) και άλλα.) Ωστόσο, ανεξάρτητα από τις πλοκές, τις εποχές και τις χώρες (πραγματικές ή φανταστικές), ο Massenet απεικόνισε μια γυναίκα του αστικού του κύκλου, χαρακτήριζε με ευαισθησία τον εσωτερικό της κόσμο.

Οι σύγχρονοι αποκαλούσαν τον Massenet «ο ποιητή της γυναικείας ψυχής».

Μετά τον Gounod, ο οποίος είχε ισχυρή επιρροή πάνω του, ο Massenet μπορεί, με ακόμη μεγαλύτερη δικαιολογία, να καταταγεί στη «σχολή νευρικής ευαισθησίας». Αλλά σε αντίθεση με τον ίδιο Gounod, που χρησιμοποίησε στα καλύτερα έργα του πιο πλούσια και ποικίλα χρώματα που δημιουργούσαν ένα αντικειμενικό υπόβαθρο για τη ζωή (ειδικά στο Faust), ο Massenet είναι πιο εκλεπτυσμένος, ελεγικός, πιο υποκειμενικός. Είναι πιο κοντά στην εικόνα της γυναικείας απαλότητας, χάρης, αισθησιακής χάρης. Σύμφωνα με αυτό, ο Massenet ανέπτυξε ένα ατομικό στυλ ariose, αποκαλυπτικό στον πυρήνα του, μεταφέροντας διακριτικά το περιεχόμενο του κειμένου, αλλά πολύ μελωδικές και απροσδόκητα αναδυόμενες συναισθηματικές «εκρήξεις» συναισθημάτων διακρίνονται από φράσεις ευρείας μελωδικής αναπνοής:

Το ορχηστρικό μέρος διακρίνεται και από τη λεπτότητα του φινιρίσματος. Συχνά σε αυτό αναπτύσσεται η μελωδική αρχή, η οποία συμβάλλει στην ενοποίηση του διακοπτόμενου, λεπτού και εύθραυστου φωνητικού μέρους:

Ένας παρόμοιος τρόπος θα είναι σύντομα χαρακτηριστικός για τις όπερες των Ιταλών βερίστων (Leoncavallo, Puccini). μόνο οι εκρήξεις των συναισθημάτων τους είναι πιο ιδιοσυγκρασιακές και παθιασμένες. Στη Γαλλία, αυτή η ερμηνεία του φωνητικού μέρους υιοθετήθηκε από πολλούς συνθέτες του τέλους του XNUMXου και των αρχών του XNUMXου αιώνα.

Αλλά πίσω στη δεκαετία του '70.

Η απροσδόκητα κερδισμένη αναγνώριση ενέπνευσε τον Massenet. Τα έργα του παίζονται συχνά σε συναυλίες (Γραφικές σκηνές, η Ουβερτούρα της Φαίδρας, η Τρίτη Ορχηστρική Σουίτα, η Παραμονή του Ιερού Δράματος και άλλες) και η Μεγάλη Όπερα ανεβάζει την όπερα King Lagorsky (1877, από την ινδική ζωή· θρησκευτικές διαμάχες χρησιμεύουν ως φόντο ). Και πάλι μεγάλη επιτυχία: ο Massenet στέφθηκε με τις δάφνες ενός ακαδημαϊκού – σε ηλικία τριάντα έξι ετών έγινε μέλος του Ινστιτούτου της Γαλλίας και σύντομα προσκλήθηκε ως καθηγητής στο ωδείο.

Ωστόσο, στον «Βασιλιά του Λαγκόρσκ», όπως και στο μεταγενέστερο «Esclarmonde» (1889), υπάρχουν ακόμα πολλά από τη ρουτίνα της «grand opera» - αυτό το παραδοσιακό είδος του γαλλικού μουσικού θεάτρου που έχει εξαντλήσει από καιρό τις καλλιτεχνικές του δυνατότητες. Ο Massenet βρέθηκε πλήρως στα καλύτερα έργα του – «Manon» (1881-1884) και «Werther» (1886, πρωτοπαρουσιάστηκε στη Βιέννη το 1892).

Έτσι, μέχρι την ηλικία των σαράντα πέντε ετών, ο Massenet πέτυχε την επιθυμητή φήμη. Όμως, συνεχίζοντας να εργάζεται με την ίδια ένταση, τα επόμενα είκοσι πέντε χρόνια της ζωής του, όχι μόνο διεύρυνε τους ιδεολογικούς και καλλιτεχνικούς του ορίζοντες, αλλά εφάρμοσε τα θεατρικά εφέ και τα εκφραστικά μέσα που είχε αναπτύξει προηγουμένως σε διάφορες οπερατικές πλοκές. Και παρά το γεγονός ότι οι πρεμιέρες αυτών των έργων επιπλώθηκαν με διαρκή μεγαλοπρέπεια, τα περισσότερα από αυτά έχουν ξεχαστεί επάξια. Οι ακόλουθες τέσσερις όπερες παρουσιάζουν ωστόσο αναμφισβήτητο ενδιαφέρον: «Thais» (1894, χρησιμοποιείται η πλοκή του μυθιστορήματος του A. France), η οποία, ως προς τη λεπτότητα του μελωδικού σχεδίου, προσεγγίζει το «Manon». «Navarreca» (1894) και «Sappho» (1897), που αντανακλούν βεριστικές επιρροές (η τελευταία όπερα γράφτηκε με βάση το μυθιστόρημα του A. Daudet, την πλοκή κοντά στην «Κυρία των Καμέλιων» του γιου Δουμά, και έτσι το «Βέρντι La Traviata», στη «Σαπφώ» πολλές σελίδες συναρπαστικής, αληθινής μουσικής). «Δον Κιχώτης» (1910), όπου ο Chaliapin συγκλόνισε το κοινό στον ομώνυμο ρόλο.

Ο Massenet πέθανε στις 13 Αυγούστου 1912.

Για δεκαοκτώ χρόνια (1878-1896) δίδαξε ένα μάθημα σύνθεσης στο Ωδείο του Παρισιού, εκπαιδεύοντας πολλούς μαθητές. Ανάμεσά τους ήταν οι συνθέτες Alfred Bruno, Gustave Charpentier, Florent Schmitt, Charles Kouklin, ο κλασικός της ρουμανικής μουσικής George Enescu και άλλοι που αργότερα απέκτησαν φήμη στη Γαλλία. Αλλά ακόμη και εκείνοι που δεν σπούδασαν με τον Massenet (για παράδειγμα, ο Debussy) επηρεάστηκαν από το νευρικά ευαίσθητο, ευέλικτο στην εκφραστικότητα, αριστοκρατικό φωνητικό ύφος του.

* * *

Η ακεραιότητα της λυρικοδραματικής έκφρασης, η ειλικρίνεια, η ειλικρίνεια στη μετάδοση τρεμάμενων συναισθημάτων – αυτά είναι τα πλεονεκτήματα των όπερων του Massenet, που αποκαλύπτονται πιο ξεκάθαρα στον Werther και στη Manon. Ωστόσο, ο συνθέτης συχνά δεν είχε την αρσενική δύναμη στη μετάδοση των παθών της ζωής, των δραματικών καταστάσεων, του περιεχομένου των συγκρούσεων και στη συνέχεια κάποια επιτήδευση, μερικές φορές γλυκύτητα στο σαλόνι, έσκασε στη μουσική του.

Αυτά είναι συμπτωματικά σημάδια της κρίσης του βραχύβιου είδους της γαλλικής «λυρικής όπερας», που διαμορφώθηκε στη δεκαετία του '60 και στη δεκαετία του '70 απορρόφησε εντατικά νέες, προοδευτικές τάσεις που προέρχονται από τη σύγχρονη λογοτεχνία, τη ζωγραφική, το θέατρο. Ωστόσο, ήδη από τότε αποκαλύφθηκαν σε αυτόν τα χαρακτηριστικά περιορισμού, τα οποία αναφέρθηκαν παραπάνω (στο δοκίμιο αφιερωμένο στον Gounod).

Η ιδιοφυΐα του Μπιζέ ξεπέρασε τα στενά όρια της «λυρικής όπερας». Δραματοποιώντας και διευρύνοντας το περιεχόμενο των πρώιμων μουσικών και θεατρικών του συνθέσεων, αντανακλώντας πιο αληθινά και βαθιά τις αντιφάσεις της πραγματικότητας, έφτασε στα ύψη του ρεαλισμού στην Κάρμεν.

Αλλά η γαλλική κουλτούρα της όπερας δεν έμεινε σε αυτό το επίπεδο, επειδή οι πιο εξέχοντες δάσκαλοί της των τελευταίων δεκαετιών του 60ου αιώνα δεν είχαν την αδιάλλακτη τήρηση των αρχών του Bizet για να διεκδικήσουν τα καλλιτεχνικά τους ιδανικά. Από τα τέλη της δεκαετίας του 1877, λόγω της ενίσχυσης των αντιδραστικών χαρακτηριστικών στην κοσμοθεωρία, ο Gounod, μετά τη δημιουργία των Faust, Mireil και Romeo and Juliet, απομακρύνθηκε από τις προοδευτικές εθνικές παραδόσεις. Ο Saint-Saens, με τη σειρά του, δεν έδειξε τη δέουσα συνέπεια στις δημιουργικές του αναζητήσεις, ήταν εκλεκτικός και μόνο στο Samson and Delilah (1883) σημείωσε σημαντική, αν και όχι πλήρη επιτυχία. Σε κάποιο βαθμό, ορισμένα επιτεύγματα στον τομέα της όπερας ήταν επίσης μονόπλευρα: Delibes (Lakme, 1880), Lalo (King of the City of Is, 1886), Chabrier (Gwendoline, XNUMX). Όλα αυτά τα έργα ενσάρκωναν διαφορετικές πλοκές, αλλά στη μουσική τους ερμηνεία, οι επιρροές τόσο της «μεγάλης» όσο και της «λυρικής» όπερας διασταυρώθηκαν στον ένα ή τον άλλο βαθμό.

Ο Massenet δοκίμασε επίσης τις δυνάμεις του και στα δύο είδη και μάταια προσπάθησε να ενημερώσει το απαρχαιωμένο ύφος της «μεγάλης όπερας» με άμεσους στίχους, ευαισθησία στα εκφραστικά μέσα. Κυρίως, τον τράβηξε αυτό που έφτιαξε ο Gounod στο Faust, το οποίο χρησίμευσε στον Massenet ως απρόσιτο καλλιτεχνικό μοντέλο.

Ωστόσο, η κοινωνική ζωή της Γαλλίας μετά την Παρισινή Κομμούνα έθεσε νέα καθήκοντα για τους συνθέτες - ήταν απαραίτητο να αποκαλυφθούν πιο έντονα οι πραγματικές συγκρούσεις της πραγματικότητας. Η Bizet κατάφερε να τους αιχμαλωτίσει στο Carmen, αλλά ο Massenet το απέφυγε. Έκλεισε τον εαυτό του στο είδος της λυρικής όπερας και περιόρισε περαιτέρω τη θεματολογία της. Ως σημαντικός καλλιτέχνης, ο συγγραφέας του Manon και του Werther, φυσικά, αντικατόπτριζε εν μέρει στα έργα του τις εμπειρίες και τις σκέψεις των συγχρόνων του. Αυτό επηρέασε ιδιαίτερα την ανάπτυξη εκφραστικών μέσων για νευρικά ευαίσθητο μουσικό λόγο, που είναι περισσότερο σύμφωνος με το πνεύμα της νεωτερικότητας. Τα επιτεύγματά του είναι σημαντικά τόσο στην κατασκευή των «μέσα» των λυρικών σκηνών της όπερας, όσο και στη λεπτή ψυχολογική ερμηνεία της ορχήστρας.

Μέχρι τη δεκαετία του '90, αυτό το αγαπημένο είδος του Massenet είχε εξαντληθεί. Η επιρροή του ιταλικού οπερατικού βερισμού αρχίζει να γίνεται αισθητή (συμπεριλαμβανομένου του έργου του ίδιου του Massenet). Στις μέρες μας, τα σύγχρονα θέματα διεκδικούνται πιο ενεργά στο γαλλικό μουσικό θέατρο. Ενδεικτικές από αυτή την άποψη είναι οι όπερες του Alfred Bruno (The Dream βασισμένο στο μυθιστόρημα του Zola, 1891, The Siege of the Mill based on Maupassant, 1893, και άλλες), που δεν είναι χωρίς χαρακτηριστικά νατουραλισμού, και ιδιαίτερα η όπερα Louise του Charpentier. (1900), στο οποίο από πολλές απόψεις επιτυχής, αν και κάπως ασαφής, ανεπαρκώς δραματική απεικόνιση των εικόνων της σύγχρονης παριζιάνικης ζωής.

Η σκηνοθεσία των Pelléas et Mélisande του Claude Debussy το 1902 ανοίγει μια νέα περίοδο στη μουσική και θεατρική κουλτούρα της Γαλλίας – ο ιμπρεσιονισμός γίνεται η κυρίαρχη στιλιστική τάση.

M. Druskin

Συνθέσεις:

Όπερες (σύνολο 25) Με εξαίρεση τις όπερες «Manon» και «Werther», μόνο οι ημερομηνίες των πρεμιέρων δίνονται σε παρένθεση. «Γιαγιά», λιμπρέτο των Adeny και Granvallet (1867) «Ful King's Cup», λιμπρέτο των Galle και Blo (1867) «Don Cesar de Bazan», λιμπρέτο των d'Ennery, Dumanois and Chantepie (1872) «King of Lahore» , λιμπρέτο του Galle (1877) Herodias, λιμπρέτο των Millet, Gremont και Zamadini (1881) Manon, λιμπρέτο των Méliac και Gilles (1881-1884) «Werther», λιμπρέτο των Blo, Mille και Gartmann (1886 — «1892 πρεμιέρα) The Sid», λιμπρέτο του d'Ennery, Blo and Galle (1885) «Ésclarmonde», λιμπρέτο των Blo and Gremont (1889) The Magician, λιμπρέτο του Richpin (1891) «Thais», λιμπρέτο του Galle (1894) «Portrait of Manon», λιμπρέτο του Boyer (1894) «Navarreca», λιμπρέτο των Clarty και Ken (1894) Sappho, λιμπρέτο των Kena και Berneda (1897) Cinderella, λιμπρέτο του Ken (1899) Griselda, λιμπρέτο του Sylvester and Moran (1901) The Juggler of Our Lady», λιμπρέτο του Len (1902) Cherub, λιμπρέτο των Croisset και Ken (1905) Ariana, λιμπρέτο του Mendes (1906) Teresa, λιμπρέτο του Clarty (1907) «Vakh» (1910) Δον Κιχώτης, λιμπρέτο του Ken (1910) Ρώμη, λιμπρέτο του Ken (1912) «Amadis» (μεταθανάτια) «Cleopatra», λιμπρέτο του Payen (μεταθανάτια)

Άλλα μουσικοθεατρικά έργα και καντάτα-ορατόριο Μουσική για την τραγωδία του Αισχύλου «Εριννία» (1873) «Μαρία Μαγδαληνή», ιερό δράμα Χάλε (1873) Εύα, ιερό δράμα Χάλε (1875) Νάρκισσος, αντίκες ειδύλλιο του Κόλιν (1878) «Η Άμωμη Παρθένος», ο ιερός μύθος of Grandmougins (1880) «Carillon», θρύλος μίμησης και χορού (1892) «Promised Land», ορατόριο (1900) Dragonfly, μπαλέτο (1904) «Spain», μπαλέτο (1908)

Συμφωνικά έργα Πομπηία, σουίτα για ορχήστρα (1866) Πρώτη σουίτα για ορχήστρα (1867) "Ουγγρικές σκηνές" (Δεύτερη σουίτα για ορχήστρα) (1871) "Picturesque Scenes" (1871) Τρίτη σουίτα για ορχήστρα (1873) Ουβερτούρα "Phaedra" (1874) Δραματικές σκηνές κατά τον Σαίξπηρ» (1875) «Νεαπολίτικα σκηνικά» (1882) «Σκηνές της Αλσαίας» (1882) «Μαγευτικές σκηνές» (1883) και άλλα

Επιπλέον, υπάρχουν πολλές διαφορετικές συνθέσεις για πιάνο, περίπου 200 ειδύλλια ("Intimate Songs", "Pastoral Poem", "Poem of Winter", "Poem of Love", "Poem of Memories" και άλλα), έργα για όργανα δωματίου σύνολα.

Λογοτεχνικά γραπτά «My Memories» (1912)