Alexey Borisovich Lyubimov (Alexei Lubimov) |

Αλεξέι Λουμπίμοφ

Ο Aleksey Lyubimov δεν είναι μια συνηθισμένη φιγούρα στο μουσικό και ερμηνευτικό περιβάλλον της Μόσχας. Ξεκίνησε την καριέρα του ως πιανίστας, αλλά σήμερα δεν υπάρχουν λιγότεροι λόγοι να τον αποκαλούν τσέμπαλο (ή ακόμα και οργανίστα). Απέκτησε φήμη ως σολίστ. τώρα είναι σχεδόν επαγγελματίας παίκτης συνόλου. Κατά κανόνα, δεν παίζει αυτό που παίζουν οι άλλοι – για παράδειγμα, μέχρι τα μέσα της δεκαετίας του ογδόντα ουσιαστικά δεν ερμήνευσε ποτέ τα έργα του Λιστ, έπαιξε τον Σοπέν μόνο δύο ή τρεις φορές – αλλά βάζει στα προγράμματά του να μην ερμηνεύει κανένας εκτός από αυτόν. .

Ο Alexei Borisovich Lyubimov γεννήθηκε στη Μόσχα. Συνέβη ότι μεταξύ των γειτόνων της οικογένειας Lyubimov στο σπίτι ήταν μια γνωστή δασκάλα - πιανίστα Anna Danilovna Artobolevskaya. Επέστησε την προσοχή στο αγόρι, διαπίστωσε τις ικανότητές του. Και μετά κατέληξε στο Κεντρικό Μουσικό Σχολείο, ανάμεσα στους μαθητές του AD Artobolevskaya, υπό την επίβλεψη του οποίου σπούδασε για πάνω από δέκα χρόνια - από την πρώτη τάξη έως την ενδέκατη.

«Ακόμα θυμάμαι τα μαθήματα με την Alyosha Lyubimov με ένα χαρούμενο συναίσθημα», είπε η AD Artobolevskaya. – Θυμάμαι όταν ήρθε για πρώτη φορά στην τάξη μου, ήταν συγκινητικά αφελής, έξυπνος, άμεσος. Όπως τα περισσότερα προικισμένα παιδιά, διακρίθηκε από μια ζωηρή και γρήγορη αντίδραση στις μουσικές εντυπώσεις. Με χαρά έμαθε διάφορα κομμάτια που του ζητούσαν, προσπάθησε να συνθέσει κάτι ο ίδιος.

Περίπου 13-14 ετών, άρχισε να παρατηρείται εσωτερικό κάταγμα στην Alyosha. Μια αυξημένη λαχτάρα για το νέο ξύπνησε μέσα του, που δεν τον άφησε ποτέ αργότερα. Ερωτεύτηκε με πάθος τον Προκόφιεφ, άρχισε να παρακολουθεί πιο στενά τη μουσική νεωτερικότητα. Είμαι πεπεισμένος ότι η Maria Veniaminovna Yudina είχε τεράστια επιρροή πάνω του σε αυτό.

Ο MV Yudina Lyubimov είναι κάτι σαν παιδαγωγικός «εγγονός»: η δασκάλα του, AD Artobolevskaya, πήρε μαθήματα από μια εξαιρετική Σοβιετική πιανίστα στα νιάτα της. Αλλά πιθανότατα η Yudina παρατήρησε τον Alyosha Lyubimov και τον ξεχώρισε μεταξύ άλλων όχι μόνο για αυτόν τον λόγο. Την εντυπωσίασε με την ίδια την αποθήκη της δημιουργικής του φύσης. με τη σειρά του, έβλεπε σε αυτήν, στις δραστηριότητές της, κάτι κοντινό και συγγενικό με τον εαυτό του. «Οι συναυλιακές παραστάσεις της Maria Veniaminovna, καθώς και η προσωπική επικοινωνία μαζί της, λειτούργησαν ως μια τεράστια μουσική ώθηση για μένα στη νεολαία μου», λέει ο Lyubimov. Με το παράδειγμα της Yudina, έμαθε υψηλή καλλιτεχνική ακεραιότητα, αδιάλλακτη σε δημιουργικά θέματα. Πιθανώς, εν μέρει από εκείνη και το γούστο του για μουσικές καινοτομίες, ατρόμητη αντιμετώπιση των πιο τολμηρών δημιουργιών της σκέψης του σύγχρονου συνθέτη (θα μιλήσουμε για αυτό αργότερα). Τέλος, από τη Yudina και κάτι στον τρόπο που παίζει ο Lyubimov. Όχι μόνο είδε την καλλιτέχνη στη σκηνή, αλλά συναντήθηκε μαζί της στο σπίτι της AD Artobolevskaya. γνώριζε πολύ καλά τον πιανισμό της Μαρίας Βενιαμίνοβνα.

Στο Ωδείο της Μόσχας, ο Lyubimov σπούδασε για κάποιο διάστημα με τον GG Neuhaus και μετά τον θάνατό του με τον LN Naumov. Για να πούμε την αλήθεια, αυτός, ως καλλιτεχνική ατομικότητα –και ο Λιουμπίμοφ ήρθε στο πανεπιστήμιο ως ήδη καθιερωμένη ατομικότητα– δεν είχε πολλά κοινά με τη ρομαντική σχολή του Neuhaus. Παρόλα αυτά, πιστεύει ότι έμαθε πολλά από τους συντηρητικούς δασκάλους του. Αυτό συμβαίνει στην τέχνη, και συχνά: εμπλουτισμός μέσω επαφών με το δημιουργικά αντίθετο…

Το 1961, ο Lyubimov συμμετείχε στον Πανρωσικό διαγωνισμό ερμηνευτών μουσικών και κέρδισε την πρώτη θέση. Η επόμενη νίκη του –στο Ρίο ντε Τζανέιρο στον διεθνή διαγωνισμό οργανοπαίχτων (1965),– το πρώτο βραβείο. Στη συνέχεια – Μόντρεαλ, διαγωνισμός πιάνου (1968), τέταρτο βραβείο. Είναι ενδιαφέρον ότι τόσο στο Ρίο ντε Τζανέιρο όσο και στο Μόντρεαλ, λαμβάνει ειδικά βραβεία για την καλύτερη απόδοση σύγχρονης μουσικής. Το καλλιτεχνικό του προφίλ αυτή τη στιγμή αναδεικνύεται σε όλη του την ιδιαιτερότητα.

Μετά την αποφοίτησή του από το ωδείο (1968), ο Lyubimov παρέμεινε για κάποιο χρονικό διάστημα εντός των τειχών του, αποδεχόμενος τη θέση του δασκάλου του συνόλου δωματίου. Όμως το 1975 αφήνει αυτή τη δουλειά. «Συνειδητοποίησα ότι πρέπει να επικεντρωθώ σε ένα πράγμα…»

Ωστόσο, τώρα είναι που η ζωή του εξελίσσεται με τέτοιο τρόπο που είναι «διασπαρμένος», και μάλιστα σκόπιμα. Οι τακτικές δημιουργικές του επαφές δημιουργούνται με μια μεγάλη ομάδα καλλιτεχνών – O. Kagan, N. Gutman, T. Grindenko, P. Davydova, V. Ivanova, L. Mikhailov, M. Tolpygo, M. Pechersky… Διοργανώνονται κοινές συναυλίες στις αίθουσες της Μόσχας και άλλων πόλεων της χώρας, ανακοινώνονται μια σειρά από ενδιαφέρουσες, πάντα κατά κάποιο τρόπο πρωτότυπες θεματικές βραδιές. Δημιουργούνται σύνολα διαφόρων συνθέσεων. Ο Lyubimov ενεργεί συχνά ως αρχηγός τους ή, όπως λένε μερικές φορές οι αφίσες, "Συντονιστής μουσικής". Οι κατακτήσεις του στο ρεπερτόριο γίνονται όλο και πιο εντατικά: αφενός, εμβαθύνει συνεχώς στα έγκατα της πρώιμης μουσικής, κατακτώντας τις καλλιτεχνικές αξίες που δημιουργήθηκαν πολύ πριν από τον JS Bach. Από την άλλη πλευρά, επιβεβαιώνει την αυθεντία του ως γνώστης και ειδικός στον τομέα της μουσικής νεωτερικότητας, έμπειρος στις πιο διαφορετικές πτυχές της – μέχρι τη ροκ μουσική και τα ηλεκτρονικά πειράματα, συμπεριλαμβανομένων. Θα πρέπει επίσης να ειπωθεί για το πάθος του Lyubimov για τα αρχαία όργανα, το οποίο μεγαλώνει με τα χρόνια. Έχει όλη αυτή η φαινομενική ποικιλομορφία τύπων και μορφών εργασίας τη δική της εσωτερική λογική; Αναμφίβολα. Υπάρχει και ολότητα και οργανικότητα. Για να το καταλάβει κανείς αυτό, πρέπει, τουλάχιστον σε γενικές γραμμές, να εξοικειωθεί με τις απόψεις του Λιουμπίμοφ για την τέχνη της ερμηνείας. Σε ορισμένα σημεία αποκλίνουν από τα γενικά αποδεκτά.

Δεν γοητεύεται πολύ (δεν το κρύβει) να αποδίδει ως αυτόνομη σφαίρα δημιουργικής δραστηριότητας. Εδώ κατέχει, αναμφίβολα, μια ιδιαίτερη θέση μεταξύ των συναδέλφων του. Φαίνεται σχεδόν πρωτότυπο σήμερα, όταν, σύμφωνα με τα λόγια του GN Rozhdestvensky, «το κοινό έρχεται σε μια συμφωνική συναυλία για να ακούσει τον μαέστρο και στο θέατρο - για να ακούσει τον τραγουδιστή ή να κοιτάξει την μπαλαρίνα». (Rozhdestvensky GN Thoughts on music. – M., 1975. P. 34.). Ο Λιουμπίμοφ τονίζει ότι τον ενδιαφέρει η ίδια η μουσική –ως καλλιτεχνική οντότητα, φαινόμενο, φαινόμενο– και όχι μια συγκεκριμένη γκάμα θεμάτων που σχετίζονται με τη δυνατότητα των διαφόρων σκηνικών της ερμηνειών. Δεν έχει σημασία για αυτόν αν θα μπει στη σκηνή ως σολίστ ή όχι. Είναι σημαντικό να είσαι «μέσα στη μουσική», όπως το είχε πει κάποτε σε μια συζήτηση. Εξ ου και η έλξη του για την κοινή μουσική δημιουργία, για το είδος των συνόλων δωματίου.

Αλλά δεν είναι μόνο αυτό. Υπάρχει και άλλο. Υπάρχουν πάρα πολλά στένσιλ στη σημερινή σκηνή της συναυλίας, σημειώνει ο Λιουμπίμοφ. «Για μένα, δεν υπάρχει τίποτα χειρότερο από ένα γραμματόσημο…» Αυτό είναι ιδιαίτερα αισθητό όταν εφαρμόζεται σε συγγραφείς που αντιπροσωπεύουν τις πιο δημοφιλείς τάσεις στη μουσική τέχνη, οι οποίοι έγραψαν, ας πούμε, τον XNUMXο αιώνα ή στο τέλος του XNUMXου. Τι είναι ελκυστικό για τους συγχρόνους του Λιουμπίμοφ – τον ​​Σοστακόβιτς ή τον Μπουλέζ, τον Κέιτζ ή τον Στοκχάουζεν, τον Σνίτκε ή τον Ντενίσοφ; Το γεγονός ότι σε σχέση με τη δουλειά τους δεν υπάρχουν ακόμη ερμηνευτικά στερεότυπα. «Η κατάσταση της μουσικής παράστασης αναπτύσσεται εδώ απροσδόκητα για τον ακροατή, ξεδιπλώνεται σύμφωνα με νόμους που είναι απρόβλεπτοι εκ των προτέρων…» λέει ο Lyubimov. Το ίδιο, γενικά, στη μουσική της προ-Μπαχ εποχής. Γιατί βρίσκετε συχνά καλλιτεχνικά παραδείγματα του XNUMXου-XNUMXου αιώνα στα προγράμματά του; Γιατί οι παραδόσεις τους έχουν χαθεί εδώ και καιρό. Γιατί απαιτούν κάποιες νέες ερμηνευτικές προσεγγίσεις. Νέα – Για τον Lyubimov, αυτό είναι θεμελιωδώς σημαντικό.

Τέλος, υπάρχει ένας άλλος παράγοντας που καθορίζει την κατεύθυνση της δραστηριότητάς του. Είναι πεπεισμένος ότι η μουσική πρέπει να παίζεται στα όργανα για τα οποία δημιουργήθηκε. Κάποια έργα είναι στο πιάνο, άλλα στο τσέμπαλο ή παρθενικό. Σήμερα θεωρείται δεδομένο να παίζουμε τα κομμάτια των παλιών δασκάλων σε ένα πιάνο μοντέρνου σχεδιασμού. Ο Lyubimov είναι ενάντια σε αυτό. αυτό διαστρεβλώνει την καλλιτεχνική εμφάνιση τόσο της ίδιας της μουσικής όσο και αυτών που την έγραψαν, υποστηρίζει. Παραμένουν απροκάλυπτα, πολλές λεπτότητες — υφολογικές, χρωματιστικές — που ενυπάρχουν στα ποιητικά λείψανα του παρελθόντος, μειώνονται στο τίποτα. Το παιχνίδι, κατά τη γνώμη του, πρέπει να γίνεται με γνήσια παλιά όργανα ή επιδέξια κατασκευασμένα αντίγραφά τους. Ερμηνεύει Rameau και Couperin στο τσέμπαλο, Bull, Byrd, Gibbons, Farneby στο virginal, Haydn και Mozart στο σφυρί πιάνο (hammerklavier), οργανική μουσική των Bach, Kunau, Frescobaldi και των συγχρόνων τους στο όργανο. Αν χρειαστεί, μπορεί να καταφύγει σε πολλά άλλα εργαλεία, όπως συνέβη στην πρακτική του, και μάλιστα περισσότερες από μία φορές. Είναι σαφές ότι μακροπρόθεσμα αυτό τον απομακρύνει από τον πιανισμό ως τοπικό ερμηνευτικό επάγγελμα.

Από όσα ειπώθηκαν, δεν είναι δύσκολο να συμπεράνουμε ότι ο Lyubimov είναι ένας καλλιτέχνης με τις δικές του ιδέες, απόψεις και αρχές. Κάπως περίεργο, ενίοτε παράδοξο, που τον απομακρύνει από τα συνηθισμένα, καλοπερπατημένα μονοπάτια στις παραστατικές τέχνες. (Δεν είναι τυχαίο, επαναλαμβάνουμε για άλλη μια φορά, ότι στα νιάτα του ήταν κοντά στη Maria Veniaminovna Yudina, δεν είναι τυχαίο που τον σημάδεψε με την προσοχή της.) Όλα αυτά από μόνα τους προκαλούν σεβασμό.

Παρόλο που δεν δείχνει ιδιαίτερη κλίση στο ρόλο του σολίστ, δεν παύει να ερμηνεύει σόλο νούμερα. Ανεξάρτητα από το πόσο πρόθυμος είναι να βυθιστεί εντελώς «μέσα στη μουσική», να κρυφτεί, η καλλιτεχνική του εμφάνιση, όταν βρίσκεται στη σκηνή, λάμπει μέσα από την παράσταση με κάθε διαύγεια.

Είναι συγκρατημένος πίσω από το όργανο, εσωτερικά μαζεμένος, πειθαρχημένος στα συναισθήματα. Ίσως λίγο κλειστό. (Μερικές φορές κάποιος πρέπει να ακούσει γι 'αυτόν - "κλειστή φύση".) Άλλο σε κάθε παρορμητισμό στις σκηνικές δηλώσεις. η σφαίρα των συναισθημάτων του οργανώνεται τόσο αυστηρά όσο και λογικά. Πίσω από ό,τι κάνει, κρύβεται μια καλά μελετημένη μουσική αντίληψη. Προφανώς, πολλά σε αυτό το καλλιτεχνικό σύμπλεγμα προέρχονται από τις φυσικές, προσωπικές ιδιότητες του Lyubimov. Όχι όμως μόνο από αυτούς. Στο παιχνίδι του – σαφές, προσεκτικά βαθμονομημένο, ορθολογικό με την ύψιστη έννοια της λέξης – μπορεί κανείς να δει επίσης μια πολύ συγκεκριμένη αισθητική αρχή.

Η μουσική, όπως γνωρίζετε, μερικές φορές συγκρίνεται με την αρχιτεκτονική, οι μουσικοί με τους αρχιτέκτονες. Ο Lyubimov στη δημιουργική του μέθοδο είναι πραγματικά παρόμοιος με τον τελευταίο. Παίζοντας φαίνεται να φτιάχνει μουσικές συνθέσεις. Σαν να στήνει ηχητικές δομές στο χώρο και στο χρόνο. Η κριτική σημείωσε τότε ότι το «εποικοδομητικό στοιχείο» κυριαρχεί στις ερμηνείες του. έτσι ήταν και παραμένει. Σε όλα ο πιανίστας έχει αναλογικότητα, αρχιτεκτονικό υπολογισμό, αυστηρή αναλογικότητα. Αν συμφωνούμε με τον B. Walter ότι «η βάση κάθε τέχνης είναι η τάξη», δεν μπορούμε παρά να παραδεχθούμε ότι τα θεμέλια της τέχνης του Lyubimov είναι ελπιδοφόρα και ισχυρά…

Συνήθως τόνιζαν οι καλλιτέχνες της αποθήκης του σκοπός στην προσέγγισή του στην ερμηνευμένη μουσική. Ο Λιουμπίμοφ αρνείται εδώ και πολύ καιρό και θεμελιωδώς ότι επιτελεί ατομικισμό και αναρχία. (Σε γενικές γραμμές, πιστεύει ότι η σκηνική μέθοδος, που βασίζεται σε μια καθαρά ατομική ερμηνεία των αριστουργημάτων από έναν ερμηνευτή συναυλιών, θα γίνει παρελθόν και η αμφισβήτηση αυτής της κρίσης δεν τον ενοχλεί καθόλου.) συγγραφέας για αυτόν είναι η αρχή και το τέλος ολόκληρης της ερμηνευτικής διαδικασίας, όλων των προβλημάτων που προκύπτουν σε αυτό το πλαίσιο. . Μια ενδιαφέρουσα πινελιά. Ο A. Schnittke, έχοντας κάποτε γράψει μια κριτική για την ερμηνεία ενός πιανίστα (οι συνθέσεις του Μότσαρτ ήταν στο πρόγραμμα), «έκπληξη διαπίστωσε ότι αυτή (κριτική.— Ο κ. C.) όχι τόσο για το κονσέρτο του Λιουμπίμοφ όσο για τη μουσική του Μότσαρτ» (Schnittke A. Υποκειμενικές νότες για την αντικειμενική απόδοση // Sov. Music. 1974. No. 2. P. 65.). Ο A. Schnittke κατέληξε σε ένα εύλογο συμπέρασμα ότι «μην είστε

μια τέτοια παράσταση, οι ακροατές δεν θα είχαν τόσες πολλές σκέψεις για αυτή τη μουσική. Ίσως η υψηλότερη αρετή ενός ερμηνευτή είναι να επιβεβαιώνει τη μουσική που παίζει και όχι τον εαυτό του. (Στο ίδιο). Όλα τα παραπάνω σκιαγραφούν ξεκάθαρα τον ρόλο και τη σημασία πνευματικός παράγοντας στις δραστηριότητες του Lyubimov. Ανήκει στην κατηγορία των μουσικών που ξεχωρίζουν πρωτίστως για την καλλιτεχνική τους σκέψη – εύστοχοι, χωρικοί, αντισυμβατικοί. Τέτοια είναι η ατομικότητά του (ακόμα κι αν ο ίδιος είναι ενάντια στις υπερβολικά κατηγορηματικές εκδηλώσεις της). Επιπλέον, ίσως η πιο δυνατή πλευρά του. Ο E. Ansermet, ένας εξέχων Ελβετός συνθέτης και μαέστρος, ίσως δεν ήταν μακριά από την αλήθεια όταν δήλωσε ότι «υπάρχει ένας άνευ όρων παραλληλισμός μεταξύ μουσικής και μαθηματικών». (Anserme E. Conversations about music. – L., 1976. S. 21.). Στη δημιουργική πρακτική ορισμένων καλλιτεχνών, είτε γράφουν μουσική είτε την ερμηνεύουν, αυτό είναι αρκετά εμφανές. Συγκεκριμένα, ο Λιουμπίμοφ.

Φυσικά, ο τρόπος του δεν είναι παντού το ίδιο πειστικός. Δεν είναι όλοι οι κριτικοί ικανοποιημένοι, για παράδειγμα, από την ερμηνεία του στον Σούμπερτ – αυτοσχέδια, βαλς, γερμανικοί χοροί. Πρέπει να ακούσουμε ότι αυτός ο συνθέτης στο Lyubimov είναι μερικές φορές κάπως συναισθηματικός, ότι του λείπει η απλότητα, η ειλικρινής στοργή, η ζεστασιά εδώ… Ίσως είναι έτσι. Αλλά, σε γενικές γραμμές, ο Lyubimov είναι συνήθως ακριβής στις φιλοδοξίες του ρεπερτορίου, στην επιλογή και τη σύνταξη προγραμμάτων. Ξέρει καλά πού του κατοχές ρεπερτορίου, και όπου δεν μπορεί να αποκλειστεί η πιθανότητα αποτυχίας. Οι συγγραφείς στους οποίους αναφέρεται, είτε είναι σύγχρονοί μας είτε παλιοί δάσκαλοι, συνήθως δεν έρχονται σε αντίθεση με το ερμηνευτικό του στυλ.

Και μερικές ακόμη πινελιές στο πορτρέτο του πιανίστα – για καλύτερη σχεδίαση των επιμέρους περιγραμμάτων και χαρακτηριστικών του. Ο Lyubimov είναι δυναμικός. Κατά κανόνα, είναι βολικό γι 'αυτόν να διεξάγει μουσική ομιλία σε κινούμενους, ενεργητικούς ρυθμούς. Έχει ένα δυνατό, ξεκάθαρο χτύπημα με το δάχτυλο — εξαιρετική «άρθρωση», για να χρησιμοποιήσω μια έκφραση που χρησιμοποιείται συνήθως για να δηλώσει τόσο σημαντικά χαρακτηριστικά για τους ερμηνευτές όπως η σαφής αφήγηση και η κατανοητή σκηνική προφορά. Είναι πιο δυνατός από όλους, ίσως, στο μουσικό πρόγραμμα. Κάπως λιγότερο – σε ηχογράφηση ακουαρέλας. «Το πιο εντυπωσιακό στο παίξιμό του είναι το ηλεκτρισμένο τοκάτο» (Ordzhonikidze G. Spring Meetings with Music//Sov. Music. 1966. No. 9. P. 109.), έγραψε ένας από τους μουσικοκριτικούς στα μέσα της δεκαετίας του εξήντα. Σε μεγάλο βαθμό, αυτό ισχύει σήμερα.

Στο δεύτερο μισό των XNUMX, ο Lyubimov έδωσε άλλη μια έκπληξη στους ακροατές που φαινόταν να είναι συνηθισμένοι σε κάθε είδους εκπλήξεις στα προγράμματά του.

Νωρίτερα ειπώθηκε ότι συνήθως δεν αποδέχεται αυτό που έλκονται οι περισσότεροι μουσικοί συναυλιών, προτιμώντας ελάχιστα μελετημένες, αν όχι εντελώς ανεξερεύνητες περιοχές ρεπερτορίου. Ειπώθηκε ότι για πολύ καιρό ουσιαστικά δεν άγγιξε τα έργα του Σοπέν και του Λιστ. Έτσι, ξαφνικά, όλα άλλαξαν. Ο Lyubimov άρχισε να αφιερώνει σχεδόν ολόκληρα clavirabends στη μουσική αυτών των συνθετών. Το 1987, για παράδειγμα, έπαιξε στη Μόσχα και σε μερικές άλλες πόλεις της χώρας τρία Σονέτα του Πετράρχη, το Ξεχασμένο Βαλς Νο. 1 και το F-minor (συναυλία) ετιντ του Λιστ, καθώς και Barcarolle, μπαλάντες, νυχτερινά και μαζούρκες του Σοπέν. ; η ίδια πορεία συνεχίστηκε και την επόμενη σεζόν. Μερικοί άνθρωποι το θεώρησαν ως μια ακόμη εκκεντρικότητα από την πλευρά του πιανίστα – ποτέ δεν ξέρεις πόσοι από αυτούς, λένε, είναι για λογαριασμό του… Ωστόσο, για τον Lyubimov σε αυτή την περίπτωση (όπως, πράγματι, πάντα) υπήρχε μια εσωτερική δικαιολογία σε αυτό που έκανε: «Είμαι μακριά από αυτή τη μουσική για πολύ καιρό, που δεν βλέπω απολύτως τίποτα το περίεργο στην ξαφνικά αφυπνισμένη έλξη μου για αυτήν. Θέλω να πω με κάθε βεβαιότητα: η στροφή προς τον Σοπέν και τον Λιστ δεν ήταν κάποιου είδους κερδοσκοπική απόφαση από μέρους μου – για πολύ καιρό, λένε, δεν έπαιζα αυτούς τους συγγραφείς, έπρεπε να παίξω… Όχι , όχι, απλώς με τράβηξαν. Όλα ήρθαν από κάπου μέσα, από άποψη καθαρά συναισθηματικού.

Ο Σοπέν, για παράδειγμα, έχει γίνει σχεδόν μισοξεχασμένος συνθέτης για μένα. Μπορώ να πω ότι το ανακάλυψα μόνος μου – καθώς μερικές φορές ανακαλύπτονται αριστουργήματα του παρελθόντος που έχουν ξεχαστεί. Ίσως γι' αυτό ξύπνησα ένα τόσο ζωηρό, δυνατό συναίσθημα για εκείνον. Και το πιο σημαντικό, ένιωσα ότι δεν είχα σκληρά ερμηνευτικά κλισέ σε σχέση με τη μουσική του Σοπέν – επομένως, μπορώ να την παίξω.

Το ίδιο συνέβη και με τον Λιστ. Ιδιαίτερα κοντά μου είναι σήμερα ο αείμνηστος Λιστ, με τη φιλοσοφική του φύση, τον περίπλοκο και ύψιστο πνευματικό του κόσμο, τον μυστικισμό. Και, φυσικά, με τον πρωτότυπο και εκλεπτυσμένο ήχο-χρωματισμό του. Με μεγάλη μου χαρά παίζω τώρα τα Grey Clouds, Bagatelles without Key και άλλα έργα του Λιστ της τελευταίας περιόδου της δουλειάς του.

Ίσως η έκκλησή μου προς τον Σοπέν και τον Λιστ να είχε τέτοιο υπόβαθρο. Έχω παρατηρήσει από καιρό, εκτελώντας τα έργα των συγγραφέων του XNUMXου αιώνα, ότι πολλοί από αυτούς φέρουν μια ξεκάθαρη αντανάκλαση του ρομαντισμού. Σε κάθε περίπτωση, βλέπω ξεκάθαρα αυτόν τον προβληματισμό –όσο παράδοξος κι αν εκ πρώτης όψεως– στη μουσική των Silvestrov, Schnittke, Ligeti, Berio… Τελικά, κατέληξα στο συμπέρασμα ότι η μοντέρνα τέχνη οφείλει πολύ περισσότερα στον ρομαντισμό από ό,τι στο παρελθόν. πίστευε. Όταν διαποτίστηκα με αυτή τη σκέψη, με τράβηξαν, θα λέγαμε, στις πρωταρχικές πηγές – στην εποχή από την οποία πήγαν τόσα πολλά, έλαβαν τη μετέπειτα ανάπτυξή τους.

Παρεμπιπτόντως, με ελκύουν σήμερα όχι μόνο οι διακοσμητές του ρομαντισμού – ο Σοπέν, ο Λιστ, ο Μπραμς… Ενδιαφέρομαι επίσης για τους νεότερους συγχρόνους τους, συνθέτες του πρώτου τρίτου του XNUMX αιώνα, που εργάστηκαν στα δύο εποχές – κλασικισμός και ρομαντισμός, που τα συνδέουν μεταξύ τους. Τώρα έχω στο μυαλό μου συγγραφείς όπως ο Muzio Clementi, ο Johann Hummel, ο Jan Dussek. Υπάρχουν επίσης πολλά στις συνθέσεις τους που βοηθούν στην κατανόηση των περαιτέρω τρόπων ανάπτυξης της παγκόσμιας μουσικής κουλτούρας. Το πιο σημαντικό, υπάρχουν πολλοί λαμπεροί, ταλαντούχοι άνθρωποι που δεν έχουν χάσει την καλλιτεχνική τους αξία ακόμη και σήμερα».

Το 1987, ο Lyubimov έπαιξε το Συμφωνικό Κοντσέρτο για δύο πιάνα με την ορχήστρα του Dussek (το μέρος του δεύτερου πιάνου ερμήνευσε ο V. Sakharov, συνοδευόμενος από την ορχήστρα υπό τη διεύθυνση του G. Rozhdestvensky) – και αυτό το έργο, όπως περίμενε, προκάλεσε μεγάλο ενδιαφέρον ανάμεσα στο κοινό.

Και ένα ακόμη χόμπι του Lyubimov πρέπει να σημειωθεί και να εξηγηθεί. Όχι λιγότερο, αν όχι πιο απροσδόκητο, από τη γοητεία του με τον δυτικοευρωπαϊκό ρομαντισμό. Πρόκειται για ένα παλιό ειδύλλιο, το οποίο η τραγουδίστρια Viktoria Ivanovna «ανακάλυψε» πρόσφατα για αυτόν. «Στην πραγματικότητα, η ουσία δεν βρίσκεται στο ρομάντζο αυτό καθαυτό. Γενικά με ελκύει η μουσική που ακουγόταν στα αριστοκρατικά σαλόνια των μέσων του περασμένου αιώνα. Εξάλλου, χρησίμευσε ως ένα εξαιρετικό μέσο πνευματικής επικοινωνίας μεταξύ των ανθρώπων, κατέστησε δυνατή τη μετάδοση των βαθύτερων και πιο οικείων εμπειριών. Από πολλές απόψεις, είναι το αντίθετο από τη μουσική που παίχτηκε σε μια μεγάλη σκηνή συναυλιών – πομπώδης, δυνατή, αστραφτερή με εκθαμβωτικά φωτεινά, πολυτελή ρούχα. Αλλά στην τέχνη του σαλονιού – αν είναι πραγματικά αληθινή, υψηλή τέχνη – μπορείτε να νιώσετε πολύ λεπτές συναισθηματικές αποχρώσεις που είναι χαρακτηριστικές της. Γι' αυτό είναι πολύτιμο για μένα».

Ταυτόχρονα, ο Lyubimov δεν σταματά να παίζει μουσική που ήταν κοντά του τα προηγούμενα χρόνια. Προσκόλληση στη μακρινή αρχαιότητα, δεν αλλάζει και δεν πρόκειται να αλλάξει. Το 1986, για παράδειγμα, ξεκίνησε τη σειρά συναυλιών Golden Age of the Harpsichord, που είχε προγραμματιστεί για αρκετά χρόνια μπροστά. Στο πλαίσιο αυτού του κύκλου, ερμήνευσε τη Σουίτα σε Ρε ελάσσονα του L. Marchand, τη σουίτα «Γιορτές του μεγάλου και αρχαίου Menestrand» του F. Couperin, καθώς και μια σειρά από άλλα έργα αυτού του συγγραφέα. Αναμφισβήτητα ενδιαφέρον για το κοινό ήταν το πρόγραμμα «Γαλάντιες γιορτές στις Βερσαλλίες», όπου ο Lyubimov περιελάμβανε οργανικές μινιατούρες των F. Dandrieu, LK Daken, JB de Boismortier, J. Dufly και άλλων Γάλλων συνθετών. Θα πρέπει επίσης να αναφέρουμε τις συνεχιζόμενες κοινές εμφανίσεις του Lyubimov με τους T. Grindenko (συνθέσεις βιολιού A. Corelli, FM Veracini, JJ Mondonville), O. Khudyakov (σουίτες για φλάουτο και ψηφιακό μπάσο των A. Dornell και M. de la Barra). κανείς δεν μπορεί παρά να θυμηθεί, τέλος, τις μουσικές βραδιές αφιερωμένες στον FE Bach…

Ωστόσο, η ουσία του θέματος δεν βρίσκεται στο ποσό που βρέθηκε στα αρχεία και παίχτηκε δημόσια. Το κυριότερο είναι ότι ο Lyubimov σήμερα εμφανίζεται, όπως και πριν, ως επιδέξιος και γνώστης «αναστηλωτής» της μουσικής αρχαιότητας, επιστρέφοντάς το επιδέξια στην αρχική του μορφή - τη χαριτωμένη ομορφιά των μορφών του, τη γενναιότητα της ηχητικής διακόσμησης, την ιδιαίτερη λεπτότητα και λιχουδιά μουσικών δηλώσεων.

… Τα τελευταία χρόνια, ο Lyubimov είχε αρκετά ενδιαφέροντα ταξίδια στο εξωτερικό. Πρέπει να πω ότι νωρίτερα, πριν από αυτούς, για αρκετό καιρό (περίπου 6 χρόνια) δεν ταξίδεψε καθόλου εκτός χώρας. Και μόνο επειδή, από τη σκοπιά ορισμένων αξιωματούχων που ηγήθηκαν της μουσικής κουλτούρας στα τέλη της δεκαετίας του εβδομήντα και στις αρχές του ογδόντα, ερμήνευσε «όχι εκείνα» έργα που θα έπρεπε να είχαν παιχτεί. Η προτίμησή του για τους σύγχρονους συνθέτες, για τους λεγόμενους «πρωτοπόρους» – Schnittke, Gubaidulina, Sylvestrov, Cage και άλλους – δεν συμπάσχει, για να το θέσω ήπια, «στην κορυφή». Η αναγκαστική οικογενειακή ζωή στην αρχή αναστάτωσε τον Λιουμπίμοφ. Και ποιος από τους συναυλιακούς καλλιτέχνες δεν θα στεναχωριόταν στη θέση του; Ωστόσο, τα συναισθήματα υποχώρησαν αργότερα. «Συνειδητοποίησα ότι υπάρχουν κάποιες θετικές πτυχές σε αυτή την κατάσταση. Ήταν δυνατό να συγκεντρωθώ ολοκληρωτικά στη δουλειά, στην εκμάθηση νέων πραγμάτων, γιατί καμία μακρινή και μακροχρόνια απουσία από το σπίτι δεν με αποσπούσε την προσοχή. Και πράγματι, τα χρόνια που ήμουν καλλιτέχνης «περιορισμένος στα ταξίδια», κατάφερα να μάθω πολλά νέα προγράμματα. Άρα δεν υπάρχει κακό χωρίς καλό.

Τώρα, όπως είπαν, ο Λιουμπίμοφ έχει ξαναρχίσει την κανονική του περιοδεία. Πρόσφατα, μαζί με την ορχήστρα υπό τη διεύθυνση του L. Isakadze, έπαιξε το κονσέρτο του Μότσαρτ στη Φινλανδία, έδωσε αρκετά σόλο clavirabends στη ΛΔΓ, την Ολλανδία, το Βέλγιο, την Αυστρία κ.λπ.

Όπως κάθε πραγματικός, μεγάλος δάσκαλος, ο Λιουμπίμοφ έχει δική δημόσιο. Σε μεγάλο βαθμό πρόκειται για νέους ανθρώπους – το κοινό είναι ανήσυχο, άπληστο για αλλαγή εντυπώσεων και διάφορες καλλιτεχνικές καινοτομίες. Κερδίστε συμπάθεια τέτοιος κοινό, το να απολαμβάνεις τη σταθερή του προσοχή για πολλά χρόνια δεν είναι εύκολη υπόθεση. Ο Λιουμπίμοφ μπόρεσε να το κάνει. Χρειάζεται ακόμη επιβεβαίωση ότι η τέχνη του κουβαλάει πράγματι κάτι σημαντικό και απαραίτητο για τους ανθρώπους;

Γ. Τσίπιν, 1990