Rodion Konstantinovich Shchedrin |

Rodion Shchedrin

Γίνε φύλακάς μας, σωτήρας, μουσική! Μην μας αφήνετε! ξυπνήστε πιο συχνά τις εμπορικές ψυχές μας! χτυπήστε πιο δυνατά με τους ήχους σας στις κοιμισμένες αισθήσεις μας! Ταράξτε, σκίστε τους και διώξτε τους, έστω και για μια στιγμή, αυτόν τον παγερά τρομερό εγωισμό που προσπαθεί να κυριεύσει τον κόσμο μας! Ν. Γκόγκολ. Από το άρθρο «Γλυπτική, ζωγραφική και μουσική»

Την άνοιξη του 1984, σε μια από τις συναυλίες του ΙΙ Διεθνούς Μουσικού Φεστιβάλ στη Μόσχα, πραγματοποιήθηκε η πρεμιέρα του "Self-portrait" - παραλλαγές για μια μεγάλη συμφωνική ορχήστρα του R. Shchedrin. Η νέα σύνθεση του μουσικού, που μόλις πέρασε το κατώφλι των πενήντα γενεθλίων του, άλλους έκαψε με μια διαπεραστική συναισθηματική δήλωση, άλλους ενθουσιασμένους με τη δημοσιογραφική ξεγνοιασιά του θέματος, την απόλυτη συγκέντρωση των σκέψεων για τη μοίρα του. Είναι αλήθεια ότι λέγεται: «ο καλλιτέχνης είναι ο ανώτατος κριτής του εαυτού του». Σε αυτή τη μονομερή σύνθεση, ισάξια σε σημασία και περιεχόμενο με μια συμφωνία, ο κόσμος της εποχής μας εμφανίζεται μέσα από το πρίσμα της προσωπικότητας του καλλιτέχνη, παρουσιαζόμενος σε κοντινό πλάνο, και μέσα από αυτόν είναι γνωστός με όλη του την πολυχρηστικότητα και τις αντιφάσεις του – σε ενεργό και διαλογιστικές καταστάσεις, σε στοχασμό, λυρική αυτοβάθμιση, σε στιγμές αγαλλίαση ή τραγικές εκρήξεις γεμάτες αμφιβολία. Για την «Αυτοπροσωπογραφία», και είναι φυσικό, συνδυάζονται νήματα από πολλά έργα που είχε γράψει προηγουμένως ο Shchedrin. Σαν από ψηλά φαίνεται η δημιουργική και ανθρώπινη πορεία του – από το παρελθόν στο μέλλον. Ο δρόμος της «αγαπημένης της μοίρας»; Ή «μάρτυρας»; Στην περίπτωσή μας, θα ήταν λάθος να μην πούμε ούτε το ένα ούτε το άλλο. Είναι πιο κοντά στην αλήθεια να πούμε: ο δρόμος του τολμηρού «από το πρώτο πρόσωπο»…

Ο Shchedrin γεννήθηκε στην οικογένεια ενός μουσικού. Ο πατέρας, Konstantin Mikhailovich, ήταν διάσημος μουσικολόγος λέκτορας. Στο σπίτι των Shchedrins έπαιζε συνεχώς μουσική. Η ζωντανή μουσική ήταν το έδαφος που σταδιακά διαμόρφωσε τα πάθη και τα γούστα του μελλοντικού συνθέτη. Το οικογενειακό καμάρι ήταν το τρίο πιάνου, στο οποίο συμμετείχαν ο Konstantin Mikhailovich και τα αδέρφια του. Τα χρόνια της εφηβείας συνέπεσαν με μια μεγάλη δοκιμασία που έπεσε στους ώμους ολόκληρου του σοβιετικού λαού. Δύο φορές το αγόρι διέφυγε στο μέτωπο και δύο φορές επέστρεψε στο σπίτι των γονιών του. Αργότερα ο Shchedrin θα θυμηθεί τον πόλεμο περισσότερες από μία φορές, περισσότερες από μία φορές ο πόνος αυτού που βίωσε θα αντηχεί στη μουσική του - στη Δεύτερη Συμφωνία (1965), χορωδίες σε ποιήματα του A. Tvardovsky - στη μνήμη ενός αδελφού που δεν επέστρεψε από τον πόλεμο (1968), στο «Poetoria» (στον αγ. A. Voznesensky, 1968) – ένα πρωτότυπο κονσέρτο για τον ποιητή, συνοδευόμενο από γυναικεία φωνή, μικτή χορωδία και συμφωνική ορχήστρα…

Το 1945, ένας δωδεκάχρονος έφηβος διορίστηκε στη Σχολή Χορωδίας που άνοιξε πρόσφατα – τώρα αυτοί. AV Sveshnikova. Εκτός από τη μελέτη θεωρητικών κλάδων, το τραγούδι ήταν ίσως η κύρια ενασχόληση των μαθητών του σχολείου. Δεκαετίες αργότερα, ο Shchedrin θα έλεγε: «Έζησα τις πρώτες στιγμές έμπνευσης στη ζωή μου τραγουδώντας στη χορωδία. Και φυσικά, οι πρώτες μου συνθέσεις ήταν και για τη χορωδία…» Το επόμενο βήμα ήταν το Ωδείο της Μόσχας, όπου ο Shchedrin σπούδασε ταυτόχρονα σε δύο σχολές – σύνθεση με τον Y. Shaporin και στην τάξη πιάνου με τον Y. Flier. Ένα χρόνο πριν την αποφοίτησή του έγραψε το Πρώτο του Κοντσέρτο για πιάνο (1954). Αυτό το πρώιμο έργο προσέλκυσε με την πρωτοτυπία και το ζωηρό συναισθηματικό ρεύμα. Ο εικοσιδύοχρονος συγγραφέας τόλμησε να συμπεριλάβει 2 μοτίβα στο συναυλιακό-ποπ στοιχείο – το σιβηρικό «Balalaika is buzzing» και το περίφημο «Semyonovna», αναπτύσσοντάς τα ουσιαστικά σε μια σειρά παραλλαγών. Η περίπτωση είναι σχεδόν μοναδική: η πρώτη συναυλία του Shchedrin όχι μόνο ακούστηκε στο πρόγραμμα της επόμενης ολομέλειας των συνθετών, αλλά έγινε επίσης η βάση για την εισαγωγή ενός φοιτητή 4ου έτους… στην Ένωση Συνθετών. Έχοντας υπερασπιστεί έξοχα το δίπλωμά του σε δύο ειδικότητες, ο νεαρός μουσικός βελτιώθηκε στο μεταπτυχιακό σχολείο.

Στην αρχή του ταξιδιού του, ο Shchedrin δοκίμασε διάφορες περιοχές. Αυτά ήταν το μπαλέτο του P. Ershov The Little Humpbacked Horse (1955) και η Πρώτη Συμφωνία (1958), η Σουίτα δωματίου για 20 βιολιά, άρπα, ακορντεόν και 2 κοντραμπάσα (1961) και η όπερα Όχι μόνο αγάπη (1961). μια σατιρική καντάτα θέρετρου «Bureacratiada» (1963) και Κοντσέρτο για ορχήστρα «Naughty ditties» (1963), μουσική για δραματικές παραστάσεις και ταινίες. Η χαρούμενη πορεία από την ταινία «Βυσότα» έγινε αμέσως μουσικό μπεστ σέλερ… Η όπερα βασισμένη στην ιστορία του Σ. Αντόνοφ «Θεία Λούσα» ξεχωρίζει σε αυτή τη σειρά, η μοίρα της οποίας δεν ήταν εύκολη. Στρέφοντας στην ιστορία, καμένη από την ατυχία, στις εικόνες απλών χωρικών καταδικασμένων στη μοναξιά, ο συνθέτης, σύμφωνα με την ομολογία του, επικεντρώθηκε σκόπιμα στη δημιουργία μιας «ήσυχης» όπερας, σε αντίθεση με τις «μνημειώδεις παραστάσεις με μεγαλειώδη πρόσθετα». σκηνοθετήθηκε τότε, στις αρχές της δεκαετίας του '60. , πανό κ.λπ.». Σήμερα είναι αδύνατο να μη μετανιώνουμε που στην εποχή της η όπερα δεν εκτιμήθηκε και δεν έγινε κατανοητή ούτε από επαγγελματίες. Η κριτική σημείωσε μόνο μια πτυχή - χιούμορ, ειρωνεία. Αλλά στην ουσία, η όπερα Όχι μόνο αγάπη είναι το πιο φωτεινό και ίσως το πρώτο παράδειγμα στη σοβιετική μουσική του φαινομένου που αργότερα έλαβε τον μεταφορικό ορισμό της «χωριάτικης πεζογραφίας». Λοιπόν, ο δρόμος μπροστά από το χρόνο είναι πάντα ακανθώδης.

Το 1966, ο συνθέτης θα αρχίσει να δουλεύει για τη δεύτερη όπερά του. Και αυτό το έργο, που περιλάμβανε τη δημιουργία του δικού του λιμπρέτου (εδώ εκδηλώθηκε το λογοτεχνικό χάρισμα του Shchedrin), κράτησε μια δεκαετία. «Dead Souls», σκηνές όπερας μετά τον Ν. Γκόγκολ – κάπως έτσι διαμορφώθηκε αυτή η μεγαλειώδης ιδέα. Και άνευ όρων εκτιμήθηκε από τη μουσική κοινότητα ως καινοτόμο. Η επιθυμία του συνθέτη να «διαβάσει την τραγουδιστική πρόζα του Γκόγκολ μέσω της μουσικής, να σκιαγραφήσει τον εθνικό χαρακτήρα με τη μουσική και να τονίσει την άπειρη εκφραστικότητα, ζωντάνια και ευελιξία της μητρικής μας γλώσσας με τη μουσική» ενσωματώθηκε στις δραματικές αντιθέσεις μεταξύ του τρομακτικού κόσμου του έμποροι νεκρών ψυχών, όλοι αυτοί οι Chichikov, Sobeviches, Plyushkins, κουτιά, manilovs, που μαστίγωσαν ανελέητα στην όπερα και στον κόσμο των «ζωντανών ψυχών», στη λαϊκή ζωή. Ένα από τα θέματα της όπερας βασίζεται στο κείμενο του ίδιου τραγουδιού "Το χιόνι δεν είναι λευκό", το οποίο αναφέρεται περισσότερες από μία φορές από τον συγγραφέα στο ποίημα. Βασιζόμενος στις ιστορικά καθιερωμένες φόρμες όπερας, ο Shchedrin τις ξανασκέφτεται με τόλμη, τις μεταμορφώνει σε μια θεμελιωδώς διαφορετική, πραγματικά σύγχρονη βάση. Το δικαίωμα στην καινοτομία παρέχεται από τις θεμελιώδεις ιδιότητες της ατομικότητας του καλλιτέχνη, που βασίζεται σταθερά στην ενδελεχή γνώση των παραδόσεων των πλουσιότερων και μοναδικών στα επιτεύγματα του εγχώριου πολιτισμού, στο αίμα, τη φυλετική συμμετοχή στη λαϊκή τέχνη - την ποιητική της, μελωδίες, διάφορες μορφές. «Η λαϊκή τέχνη προκαλεί την επιθυμία να αναδημιουργήσει το ασύγκριτο άρωμά της, να «συσχετιστεί» με κάποιο τρόπο με τον πλούτο της, να μεταδώσει τα συναισθήματα που γεννά που δεν μπορούν να διατυπωθούν με λόγια», ισχυρίζεται ο συνθέτης. Και πάνω από όλα η μουσική του.

Αυτή η διαδικασία της «αναδημιουργίας του λαού» βαθμιαία βαθαίνει στο έργο του – από την κομψή στυλιζαρίωση της λαογραφίας στο πρώιμο μπαλέτο «The Little Humpbacked Horse» μέχρι την πολύχρωμη ηχητική παλέτα του Mischievous Chastushkas, το δραματικά σκληρό σύστημα των «Rings» (1968) , αναστώντας την αυστηρή απλότητα και τον όγκο των τραγουδιών Znamenny. από την ενσάρκωση στη μουσική ενός φωτεινού πορτραίτου, μια ισχυρή εικόνα του κύριου χαρακτήρα της όπερας «Όχι μόνο αγάπη» σε μια λυρική αφήγηση για την αγάπη των απλών ανθρώπων για τον Ίλιτς, για την προσωπική τους εσώτερη στάση προς «τα πιο γήινα όλοι οι άνθρωποι που έχουν περάσει από τη γη» στο ορατόριο «Λένιν στην καρδιά λαϊκό» (1969) – το καλύτερο, συμφωνούμε με τη γνώμη του Μ. Ταρακάνοφ», τη μουσική ενσάρκωση του λενινιστικού θέματος, που εμφανίστηκε την παραμονή των 100 χρόνων από τη γέννηση του αρχηγού. Από την κορυφή της δημιουργίας της εικόνας της Ρωσίας, που σίγουρα ήταν η όπερα «Dead Souls», που ανέβηκε από τον B. Pokrovsky το 1977 στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι, η αψίδα ρίχνεται στο «The Sealed Angel» – χορωδιακή μουσική στο 9 μέρη σύμφωνα με τον N. Leskov (1988). Όπως σημειώνει ο συνθέτης στον σχολιασμό, τον προσέλκυσε η ιστορία του αγιογράφου Sevastyan, «ο οποίος τύπωσε μια αρχαία θαυματουργή εικόνα που μολύνθηκε από τους ισχυρούς αυτού του κόσμου, πρώτα απ 'όλα, την ιδέα της άφθαρτης καλλιτεχνικής ομορφιάς, τη μαγική, ανυψωτική δύναμη της τέχνης». Το "The Captured Angel", καθώς και ένα χρόνο νωρίτερα που δημιουργήθηκε για τη συμφωνική ορχήστρα "Stikhira" (1987), βασισμένο στο άσμα Znamenny, είναι αφιερωμένο στην 1000η επέτειο από τη βάπτιση της Ρωσίας.

Η μουσική του Λέσκοφ συνέχισε λογικά μια σειρά από λογοτεχνικές προτιμήσεις και στοργές του Στσέντριν, τονίζοντας τον προσανατολισμό του με αρχές: «… Δεν μπορώ να καταλάβω τους συνθέτες μας που στρέφονται στη μεταφρασμένη λογοτεχνία. Έχουμε αμύθητο πλούτο – λογοτεχνία γραμμένη στα ρωσικά. Σε αυτή τη σειρά, μια ιδιαίτερη θέση δίνεται στον Πούσκιν ("ένας από τους θεούς μου") - εκτός από τις πρώτες δύο χορωδίες, το 1981 δημιουργήθηκαν τα χορωδιακά ποιήματα "The Execution of Pugachev" στο πεζό κείμενο από την "Ιστορία του η εξέγερση του Πουγκάτσεφ» και οι «Στρόφεις του «Ευγένιου Ονέγκιν»».

Χάρη στις μουσικές παραστάσεις βασισμένες στον Τσέχοφ – «The Seagull» (1979) και «Lady with a Dog» (1985), καθώς και σε παλαιότερα γραμμένες λυρικές σκηνές βασισμένες στο μυθιστόρημα του Λ. Τολστόι «Anna Karenina» (1971), η γκαλερί εκείνων που ενσαρκώθηκαν στη σκηνή του μπαλέτου ήταν σημαντικά εμπλουτισμένες Ρωσίδες ηρωίδες. Ο πραγματικός συν-συγγραφέας αυτών των αριστουργημάτων της σύγχρονης χορογραφικής τέχνης ήταν η Μάγια Πλισέτσκαγια, μια εξαιρετική μπαλαρίνα της εποχής μας. Αυτή η κοινότητα – δημιουργική και ανθρώπινη – είναι ήδη πάνω από 30 ετών. Ό,τι λέει η μουσική του Shchedrin, κάθε σύνθεση του φέρει ένα φορτίο ενεργητικής αναζήτησης και αποκαλύπτει τα χαρακτηριστικά μιας φωτεινής ατομικότητας. Ο συνθέτης αισθάνεται έντονα τον παλμό του χρόνου, αντιλαμβανόμενος με ευαισθησία τη δυναμική της σημερινής ζωής. Βλέπει τον κόσμο σε όγκο, πιάνοντας και αποτυπώνοντας σε καλλιτεχνικές εικόνες τόσο ένα συγκεκριμένο αντικείμενο όσο και ολόκληρο το πανόραμα. Μήπως αυτός είναι ο λόγος για τον θεμελιώδη προσανατολισμό του προς τη δραματική μέθοδο του μοντάζ, που καθιστά δυνατή τη σαφέστερη σκιαγράφηση των αντιθέσεων εικόνων και συναισθηματικών καταστάσεων; Με βάση αυτή τη δυναμική μέθοδο, ο Shchedrin προσπαθεί για συνοπτικότητα, συνοπτικότητα («να βάλει πληροφορίες κώδικα στον ακροατή») της παρουσίασης του υλικού, για μια στενή σχέση μεταξύ των μερών του χωρίς συνδετικούς κρίκους. Έτσι, η Δεύτερη Συμφωνία είναι ένας κύκλος 25 πρελούδια, το μπαλέτο «Ο Γλάρος» είναι χτισμένο στην ίδια αρχή. Το Τρίτο Κοντσέρτο για Πιάνο, όπως και μια σειρά από άλλα έργα, αποτελείται από ένα θέμα και μια σειρά από μεταμορφώσεις του σε διάφορες παραλλαγές. Η ζωηρή πολυφωνία του γύρω κόσμου αντανακλάται στην προτίμηση του συνθέτη για την πολυφωνία – τόσο ως αρχή οργάνωσης του μουσικού υλικού, ως τρόπος γραφής, όσο και ως είδος σκέψης. «Η πολυφωνία είναι μια μέθοδος ύπαρξης, για τη ζωή μας, η σύγχρονη ύπαρξη έχει γίνει πολυφωνική». Αυτή η ιδέα του συνθέτη επιβεβαιώνεται πρακτικά. Ενώ εργαζόταν στο Dead Souls, δημιούργησε ταυτόχρονα τα μπαλέτα Carmen Suite και Anna Karenina, το Τρίτο Κοντσέρτο για πιάνο, το Πολυφωνικό Σημειωματάριο είκοσι πέντε πρελούδια, τον δεύτερο τόμο με 24 πρελούδια και φούγκες, Poetoria και άλλες συνθέσεις. συνοδεύεται από τις παραστάσεις του Shchedrin στη σκηνή των συναυλιών ως ερμηνευτής των δικών του συνθέσεων – πιανίστας, και από τις αρχές της δεκαετίας του '80. και ως οργανίστας το έργο του συνδυάζεται αρμονικά με ενεργητικές δημόσιες πράξεις.

Η πορεία του Shchedrin ως συνθέτη είναι πάντα ξεπερασμένη. καθημερινή, πεισματική υπέρβαση του υλικού, που στα σταθερά χέρια του πλοιάρχου μετατρέπεται σε μουσικές γραμμές. ξεπερνώντας την αδράνεια, ακόμη και την προκατάληψη της αντίληψης του ακροατή. τέλος, ξεπερνώντας τον εαυτό του, ακριβέστερα, επαναλαμβάνοντας αυτό που έχει ήδη ανακαλυφθεί, βρεθεί, δοκιμαστεί. Πώς να μην θυμηθούμε εδώ τον Β. Μαγιακόφσκι, ο οποίος κάποτε παρατήρησε για τους σκακιστές: «Η πιο λαμπρή κίνηση δεν μπορεί να επαναληφθεί σε μια δεδομένη κατάσταση σε ένα επόμενο παιχνίδι. Μόνο το απροσδόκητο της κίνησης γκρεμίζει τον εχθρό.

Όταν το κοινό της Μόσχας παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο The Musical Offering (1983), η αντίδραση στη νέα μουσική του Shchedrin ήταν σαν βόμβα. Η διαμάχη δεν υποχώρησε για πολύ καιρό. Ο συνθέτης, στο έργο του, επιδιώκοντας την απόλυτη συνοπτικότητα, την αφοριστική έκφραση («τηλεγραφικό στυλ»), ξαφνικά φάνηκε να έχει περάσει σε μια διαφορετική καλλιτεχνική διάσταση. Η μονοκίνητη σύνθεση του για όργανο, 3 φλάουτα, 3 φαγκότα και 3 τρομπόνια διαρκεί… περισσότερες από 2 ώρες. Αυτή, σύμφωνα με την πρόθεση του συγγραφέα, δεν είναι παρά μια κουβέντα. Και όχι μια χαοτική κουβέντα που μερικές φορές κάνουμε, να μην ακούμε ο ένας τον άλλον, να βιαζόμαστε να εκφράσουμε την προσωπική μας άποψη, αλλά μια συζήτηση που ο καθένας μπορούσε να πει για τις λύπες, τις χαρές, τα προβλήματα, τις αποκαλύψεις… «Πιστεύω ότι με τη βιασύνη του τη ζωή μας, αυτό είναι εξαιρετικά σημαντικό. Σταμάτα και σκέψου." Ας θυμίσουμε ότι η «Μουσική Προσφορά» γράφτηκε την παραμονή των 300 χρόνων από τη γέννηση του JS Bach (σε αυτή την ημερομηνία είναι αφιερωμένη και η «Echo Sonata» για σόλο βιολί – 1984).

Έχει αλλάξει ο συνθέτης τις δημιουργικές του αρχές; Μάλλον, αντίθετα: με τη δική του πολυετή εμπειρία σε διάφορους τομείς και είδη, βάθυνε αυτό που είχε κερδίσει. Ακόμη και στα νεότερα του χρόνια, δεν επιδίωξε να εκπλήξει, δεν ντύθηκε με ρούχα άλλων ανθρώπων, «δεν έτρεχε στους σταθμούς με μια βαλίτσα μετά τα τρένα που αναχωρούσαν, αλλά αναπτύχθηκε με τον τρόπο που… ορίστηκε από τη γενετική, κλίσεις, συμπάθειες και αντιπάθειες». Παρεμπιπτόντως, μετά τη «Μουσική Προσφορά» το ποσοστό των αργών ρυθμών, του ρυθμού προβληματισμού, στη μουσική του Shchedrin αυξήθηκε σημαντικά. Αλλά δεν υπάρχουν ακόμα κενές θέσεις σε αυτό. Όπως και πριν, δημιουργεί ένα πεδίο υψηλού νοήματος και συναισθηματικής έντασης για την αντίληψη. Και ανταποκρίνεται στην ισχυρή ακτινοβολία του χρόνου. Σήμερα, πολλοί καλλιτέχνες ανησυχούν για μια σαφή υποτίμηση της αληθινής τέχνης, μια κλίση προς την ψυχαγωγία, την απλοποίηση και τη γενική προσβασιμότητα, που μαρτυρούν την ηθική και αισθητική εξαθλίωση των ανθρώπων. Σε αυτήν την κατάσταση «ασυνέχειας του πολιτισμού», ο δημιουργός των καλλιτεχνικών αξιών γίνεται ταυτόχρονα και κήρυκάς τους. Από αυτή την άποψη, η εμπειρία του Shchedrin και το δικό του έργο είναι ζωντανά παραδείγματα της σύνδεσης των εποχών, των «διαφορετικών μουσικών» και της συνέχειας των παραδόσεων.

Έχοντας απόλυτη επίγνωση ότι ο πλουραλισμός απόψεων και απόψεων είναι απαραίτητη βάση ζωής και επικοινωνίας στον σύγχρονο κόσμο, είναι ενεργός υποστηρικτής του διαλόγου. Πολύ διδακτικές είναι οι συναντήσεις του με ένα ευρύ κοινό, με νέους, ιδιαίτερα με σκληρούς οπαδούς της ροκ μουσικής – μεταδόθηκαν από την Κεντρική Τηλεόραση. Ένα παράδειγμα διεθνούς διαλόγου που ξεκίνησε από τον συμπατριώτη μας ήταν το πρώτο στην ιστορία των σοβιετικών-αμερικανικών πολιτιστικών σχέσεων φεστιβάλ σοβιετικής μουσικής στη Βοστώνη με το σύνθημα: «Making music together», το οποίο ξεδίπλωσε ένα ευρύ και πολύχρωμο πανόραμα του έργου των Σοβιετικών συνθέτες (1988).

Σε διάλογο με άτομα με διαφορετικές απόψεις, ο Rodion Shchedrin έχει πάντα τη δική του άποψη. Σε πράξεις και πράξεις – η δική τους καλλιτεχνική και ανθρώπινη πεποίθηση υπό το πρόσημο του κυριότερου: «Δεν μπορείς να ζεις μόνο για το σήμερα. Χρειαζόμαστε πολιτιστική οικοδόμηση για το μέλλον, προς όφελος των μελλοντικών γενεών».

Α. Γκριγκόριεβα