Λεβ Νικολάεβιτς Βλασένκο |

Λεβ Βλασένκο

Υπάρχουν πόλεις με ιδιαίτερα προσόντα μπροστά στον μουσικό κόσμο, για παράδειγμα, η Οδησσός. Πόσα λαμπρά ονόματα δώρησαν στη σκηνή των συναυλιών στα προπολεμικά χρόνια. Η Τιφλίδα, η γενέτειρα του Rudolf Kerer, του Dmitry Bashkirov, του Eliso Virsalazze, της Liana Isakadze και πολλών άλλων επιφανών μουσικών, έχει κάτι για το οποίο πρέπει να είναι περήφανο. Ο Lev Nikolaevich Vlasenko ξεκίνησε επίσης την καλλιτεχνική του πορεία στην πρωτεύουσα της Γεωργίας - μια πόλη με μακριές και πλούσιες καλλιτεχνικές παραδόσεις.

Όπως συμβαίνει συχνά με τους μελλοντικούς μουσικούς, η πρώτη του δασκάλα ήταν η μητέρα του, η οποία κάποτε δίδασκε η ίδια στο τμήμα πιάνου του Ωδείου της Τιφλίδας. Μετά από λίγο καιρό, ο Vlasenko πηγαίνει στη διάσημη γεωργιανή δασκάλα Anastasia Davidovna Virsaladze, αποφοίτησε, σπουδάζοντας στην τάξη της, ένα δεκαετές μουσικό σχολείο, τότε το πρώτο έτος του ωδείου. Και, ακολουθώντας το δρόμο πολλών ταλέντων, μετακομίζει στη Μόσχα. Από το 1948, είναι μεταξύ των μαθητών του Yakov Vladimirovich Flier.

Αυτά τα χρόνια δεν του είναι εύκολα. Είναι φοιτητής δύο ανώτατων εκπαιδευτικών ιδρυμάτων ταυτόχρονα: εκτός από το ωδείο, ο Vlasenko σπουδάζει (και ολοκληρώνει επιτυχώς τις σπουδές του σε εύθετο χρόνο) στο Ινστιτούτο Ξένων Γλωσσών. Ο πιανίστας μιλάει άπταιστα Αγγλικά, Γαλλικά, Ιταλικά. Κι όμως ο νεαρός έχει αρκετή ενέργεια και δύναμη για όλα. Στο ωδείο, παίζει όλο και περισσότερο σε φοιτητικά πάρτι, το όνομά του γίνεται γνωστό στους μουσικούς κύκλους. Ωστόσο, αναμένονται περισσότερα από αυτόν. Πράγματι, το 1956 ο Vlasenko κέρδισε το πρώτο βραβείο στον διαγωνισμό Liszt στη Βουδαπέστη.

Δύο χρόνια αργότερα, συμμετέχει ξανά στον διαγωνισμό ερμηνευτών μουσικών. Αυτή τη φορά, στο σπίτι του στη Μόσχα, στον Πρώτο Διεθνή Διαγωνισμό Τσαϊκόφσκι, ο πιανίστας κέρδισε το δεύτερο βραβείο, αφήνοντας πίσω μόνο τον Βαν Κλίμπερν, ο οποίος ήταν τότε στην ακμή του τεράστιου ταλέντου του.

Ο Βλασένκο λέει: «Λίγο μετά την αποφοίτησή μου από το ωδείο, με επιστράτευσαν στις τάξεις του Σοβιετικού Στρατού. Για περίπου ένα χρόνο δεν άγγιξα το όργανο – έζησα με εντελώς διαφορετικές σκέψεις, πράξεις, ανησυχίες. Και, φυσικά, αρκετά νοσταλγός για τη μουσική. Όταν αποστρατεύτηκα, άρχισα να δουλεύω με τριπλή ενέργεια. Προφανώς, στην υποκριτική μου υπήρχε τότε κάποιο είδος συναισθηματικής φρεσκάδας, ακατανίκητη καλλιτεχνική δύναμη, δίψα για σκηνική δημιουργικότητα. Βοηθάει πάντα στη σκηνή: με βοήθησε και εκείνη την εποχή.

Ο πιανίστας λέει ότι του έκαναν παλιά το ερώτημα: σε ποια από τις δοκιμές –στη Βουδαπέστη ή τη Μόσχα– δυσκολεύτηκε περισσότερο; «Φυσικά, στη Μόσχα», απάντησε σε τέτοιες περιπτώσεις, «ο Διαγωνισμός Τσαϊκόφσκι, στον οποίο εμφανίστηκα, πραγματοποιήθηκε για πρώτη φορά στη χώρα μας. πρώτος – αυτό τα λέει όλα. Προκάλεσε μεγάλο ενδιαφέρον - συγκέντρωσε τους πιο εξέχοντες μουσικούς, τόσο Σοβιετικούς όσο και ξένους, στην κριτική επιτροπή, προσέλκυσε το ευρύτερο κοινό, βρέθηκε στο επίκεντρο της προσοχής του ραδιοφώνου, της τηλεόρασης και του Τύπου. Ήταν εξαιρετικά δύσκολο και υπεύθυνο να παίξεις σε αυτόν τον διαγωνισμό – κάθε συμμετοχή στο πιάνο άξιζε πολλή νευρική ένταση…»

Οι νίκες σε έγκυρους μουσικούς διαγωνισμούς –και το «χρυσό» που κέρδισε ο Vlasenko στη Βουδαπέστη και το «ασημένιο» του στη Μόσχα θεωρήθηκαν σημαντικές νίκες– του άνοιξαν τις πόρτες στη μεγάλη σκηνή. Γίνεται επαγγελματίας ερμηνευτής συναυλιών. Οι εμφανίσεις του τόσο στο σπίτι όσο και σε άλλες χώρες προσελκύουν πολλούς ακροατές. Ωστόσο, δεν του δίνονται μόνο σημάδια προσοχής ως μουσικός, κάτοχος πολύτιμων βραβευμένων ρεγάλι. Η στάση απέναντί ​​του από την αρχή καθορίζεται διαφορετικά.

Υπάρχουν στη σκηνή, όπως και στη ζωή, φύσεις που απολαμβάνουν παγκόσμια συμπάθεια – άμεση, ανοιχτή, ειλικρινής. Ο Vlasenko ως καλλιτέχνης ανάμεσά τους. Πάντα τον πιστεύεις: αν είναι παθιασμένος με την ερμηνεία ενός έργου, είναι τόσο αληθινά παθιασμένος, ενθουσιασμένος – τόσο ενθουσιασμένος. αν όχι, δεν μπορεί να το κρύψει. Η λεγόμενη τέχνη της περφόρμανς δεν ανήκει στον τομέα του. Δεν ενεργεί και δεν διαμελίζεται. Το μότο του θα μπορούσε να είναι: «Λέω αυτό που σκέφτομαι, εκφράζω αυτό που νιώθω». Ο Χέμινγουεϊ έχει υπέροχα λόγια με τα οποία χαρακτηρίζει έναν από τους ήρωές του: «Ήταν αληθινά, ανθρώπινα όμορφος από μέσα: το χαμόγελό του προερχόταν από την ίδια την καρδιά ή από αυτό που λέγεται ψυχή ενός ανθρώπου, και μετά με χαρά και ανοιχτά ήρθε στο επιφάνεια, δηλαδή, φώτιζε το πρόσωπο» (Χέμινγουεϊ Ε. Πέρα από το ποτάμι, στη σκιά των δέντρων. – Μ., 1961. Σ. 47.). Ακούγοντας τον Βλασένκο στις καλύτερες στιγμές του, τυχαίνει να θυμάσαι αυτά τα λόγια.

Και κάτι ακόμα εντυπωσιάζει το κοινό όταν συναντιέται με έναν πιανίστα – τη σκηνή του κοινωνικότητα. Λίγοι είναι αυτοί που κλείνονται στη σκηνή, αποσύρονται στον εαυτό τους από τον ενθουσιασμό; Άλλοι είναι ψυχροί, συγκρατημένοι από τη φύση τους, αυτό γίνεται αισθητό στην τέχνη τους: σύμφωνα με μια κοινή έκφραση, δεν είναι πολύ «κοινωνικοί», κρατούν τον ακροατή σαν σε απόσταση από τον εαυτό τους. Με τον Vlasenko, λόγω των ιδιαιτεροτήτων του ταλέντου του (είτε είναι καλλιτεχνικό είτε ανθρώπινο), είναι εύκολο, σαν από μόνο του, να δημιουργήσει επαφή με το κοινό. Οι άνθρωποι που τον ακούνε για πρώτη φορά μερικές φορές εκφράζουν έκπληξη – η εντύπωση είναι ότι τον γνωρίζουν από καιρό και καλά ως καλλιτέχνη.

Όσοι γνώριζαν από κοντά τον δάσκαλο του Vlasenko, τον καθηγητή Yakov Vladimirovich Flier, υποστηρίζουν ότι είχαν πολλά κοινά – ένα λαμπερό ποπ ταμπεραμέντο, γενναιοδωρία συναισθηματικών εκρήξεων, έναν τολμηρό, σαρωτικό τρόπο παιχνιδιού. Ήταν πραγματικά. Δεν είναι τυχαίο ότι, έχοντας φτάσει στη Μόσχα, ο Vlasenko έγινε μαθητής του Flier και ένας από τους πιο κοντινούς μαθητές. αργότερα η σχέση τους εξελίχθηκε σε φιλία. Ωστόσο, η συγγένεια των δημιουργικών φύσεων των δύο μουσικών φάνηκε ακόμη και από το ρεπερτόριό τους.

Οι παλιοί των αιθουσών συναυλιών θυμούνται καλά πώς ο Flier έλαμπε κάποτε στα προγράμματα του Liszt. Υπάρχει ένα μοτίβο στο γεγονός ότι ο Vlasenko έκανε επίσης το ντεμπούτο του με τα έργα του Liszt (διαγωνισμός το 1956 στη Βουδαπέστη).

«Λατρεύω αυτόν τον συγγραφέα», λέει ο Λεβ Νικολάεβιτς, «την περήφανη καλλιτεχνική του πόζα, το ευγενές πάθος, το θεαματικό ρομάντζο, το ρητορικό του στυλ έκφρασης. Έτυχε στη μουσική του Λιστ να βρίσκω πάντα εύκολα τον εαυτό μου… Θυμάμαι ότι από μικρός το έπαιζα με ιδιαίτερη ευχαρίστηση.

Vlasenko, όμως, όχι μόνο ξεκίνησε από το Liszt στο δρόμο σας στη μεγάλη σκηνή της συναυλίας. Και σήμερα, πολλά χρόνια μετά, τα έργα αυτού του συνθέτη βρίσκονται στο επίκεντρο των προγραμμάτων του – από ετούτα, ραψωδίες, μεταγραφές, κομμάτια από τον κύκλο «Χρόνια Περιπλάνησης» μέχρι σονάτες και άλλα έργα μεγάλης μορφής. Έτσι, ένα αξιοσημείωτο γεγονός στη φιλαρμονική ζωή της Μόσχας τη σεζόν 1986/1987 ήταν η ερμηνεία του Vlasenko και των δύο κοντσέρτων για πιάνο, «Dance of Death» και «Fantasy on Hungarian Themes» του Λιστ. συνοδεία ορχήστρας υπό τη διεύθυνση του M. Pletnev. (Αυτή η βραδιά ήταν αφιερωμένη στα 175 χρόνια από τη γέννηση του συνθέτη.) Η επιτυχία με το κοινό ήταν πραγματικά μεγάλη. Και δεν είναι περίεργο. Αφρώδης μπραβούρα για πιάνο, γενική αγαλλίαση του τόνου, δυνατή σκηνική «ομιλία», νωπογραφία, δυνατό στυλ παιχνιδιού – όλα αυτά είναι το αληθινό στοιχείο του Vlasenko. Εδώ ο πιανίστας εμφανίζεται από την πιο συμφέρουσα για τον εαυτό του πλευρά.

Υπάρχει ένας άλλος συγγραφέας που δεν είναι λιγότερο κοντά στον Βλασένκο, όπως ο ίδιος συγγραφέας ήταν κοντά στον δάσκαλό του, τον Ραχμανίνοφ. Στις αφίσες του Vlasenko μπορείτε να δείτε κονσέρτα για πιάνο, πρελούδια και άλλα κομμάτια Rachmaninoff. Όταν ένας πιανίστας είναι «στον ρυθμό», είναι πολύ καλός σε αυτό το ρεπερτόριο: πλημμυρίζει το κοινό με μεγάλη πλημμύρα συναισθημάτων, «κατακλύζει», όπως είπε ένας από τους κριτικούς, με αιχμηρά και δυνατά πάθη. Κατέχει αριστοτεχνικά τον Vlasenko και τα χοντρά, «τσέλο» ηχοχρώματα που παίζουν τόσο μεγάλο ρόλο στη μουσική για πιάνο του Rachmaninov. Έχει βαριά και απαλά χέρια: η ηχογράφηση με «λάδι» είναι πιο κοντά στη φύση του από τα ξηρά ήχο «γραφικά». – θα μπορούσε να πει κανείς, ακολουθώντας την αναλογία που ξεκίνησε με τη ζωγραφική, ότι ένα φαρδύ πινέλο είναι πιο βολικό γι 'αυτόν από ένα έντονα ακονισμένο μολύβι. Αλλά, μάλλον, το κύριο πράγμα στον Βλασένκο, αφού μιλάμε για τις ερμηνείες του στα έργα του Ραχμανίνοφ, είναι ότι ικανός να αγκαλιάσει τη μουσική μορφή στο σύνολό της. Αγκαλιάστε ελεύθερα και φυσικά, χωρίς να σας αποσπούν, ίσως, κάποια μικροπράγματα. έτσι ακριβώς, παρεμπιπτόντως, εμφανίστηκαν οι Rachmaninov και Flier.

Τέλος, υπάρχει ο συνθέτης, ο οποίος, σύμφωνα με τον Vlasenko, έχει γίνει σχεδόν ο πιο κοντινός του με τα χρόνια. Αυτός είναι ο Μπετόβεν. Πράγματι, οι σονάτες του Μπετόβεν, κυρίως Pathetique, Lunar, Second, Seventeenth, Appassionata, Bagatelles, κύκλοι παραλλαγής, Fantasia (Op. 77), αποτέλεσαν τη βάση του ρεπερτορίου του Vlasenko της δεκαετίας του εβδομήντα και του ογδόντα. Μια ενδιαφέρουσα λεπτομέρεια: μη αναφερόμενος στον εαυτό του ως ειδικό σε μακροσκελείς συζητήσεις για τη μουσική – σε όσους ξέρουν και αγαπούν να την ερμηνεύουν με λόγια, ο Vlasenko, ωστόσο, μίλησε αρκετές φορές με ιστορίες για τον Μπετόβεν στην Κεντρική Τηλεόραση.

«Με την ηλικία, βρίσκω σε αυτόν τον συνθέτη όλο και πιο ελκυστικό για μένα», λέει ο πιανίστας. «Για πολύ καιρό είχα ένα όνειρο – να παίξω έναν κύκλο πέντε από τα κοντσέρτα του για πιάνο». Ο Λεβ Νικολάεβιτς εκπλήρωσε αυτό το όνειρο, και άριστα, σε μια από τις τελευταίες σεζόν.

Φυσικά, ο Vlasenko, όπως θα έπρεπε ένας επαγγελματίας καλεσμένος ερμηνευτής, στρέφεται σε μια μεγάλη ποικιλία μουσικής. Το ερμηνευτικό του οπλοστάσιο περιλαμβάνει Σκαρλάτι, Μότσαρτ, Σούμπερτ, Μπραμς, Ντεμπυσσύ, Τσαϊκόφσκι, Σκριαμπίν, Προκόφιεφ, Σοστακόβιτς… Ωστόσο, η επιτυχία του σε αυτό το ρεπερτόριο, όπου κάτι είναι πιο κοντά του και κάτι παραπέρα, δεν είναι το ίδιο, όχι πάντα σταθερή και ακόμη και. Ωστόσο, δεν πρέπει να εκπλαγείτε: ο Vlasenko έχει ένα αρκετά σαφές στυλ ερμηνείας, η βάση του οποίου είναι μια μεγάλη, σαρωτική δεξιοτεχνία. παίζει πραγματικά σαν άντρας – δυνατός, ξεκάθαρος και απλός. Κάπου πείθει, και εντελώς, κάπου όχι αρκετά. Δεν είναι τυχαίο ότι αν ρίξετε μια πιο προσεκτική ματιά στα προγράμματα του Vlasenko, θα παρατηρήσετε ότι προσεγγίζει τον Σοπέν με προσοχή…

Μιλώντας για ουо που ερμηνεύει ο καλλιτέχνης, είναι αδύνατο να μην σημειωθούν οι πιο επιτυχημένοι στα προγράμματά του των τελευταίων ετών. Εδώ είναι η Β ελάσσονα σονάτα του Λιστ και οι πίνακες ετιντ του Ραχμανίνοφ, η Τρίτη Σονάτα του Σκριάμπιν και η Σονάτα του Τζιναστέρα, οι Εικόνες του Ντεμπυσσύ και το νησί της χαράς του, το Ροντό του Χούμελ σε μι μείζονα και το Κόρδοβα του Αλμπενίζ… Από το 1988, βλ. BA Arapov, που έμαθε πρόσφατα από αυτόν, καθώς και Bagatelles, Op. 126 Beethoven, Preludes, Op. 11 και 12 Scriabin (επίσης νέα έργα). Στις ερμηνείες αυτών και άλλων έργων, ίσως, τα χαρακτηριστικά του μοντέρνου στυλ του Vlasenko είναι ιδιαίτερα ορατά: η ωριμότητα και το βάθος της καλλιτεχνικής σκέψης, σε συνδυασμό με ένα ζωντανό και δυνατό μουσικό συναίσθημα που δεν έχει ξεθωριάσει με τον καιρό.

Από το 1952, ο Λεβ Νικολάεβιτς διδάσκει. Στην αρχή, στη σχολή χορωδίας της Μόσχας, αργότερα στη σχολή Gnessin. Από το 1957 είναι μεταξύ των δασκάλων του Ωδείου της Μόσχας. στην τάξη του, οι N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko και άλλοι πιανίστες έλαβαν εισιτήριο για τη ζωή στη σκηνή. Ο M. Pletnev σπούδασε με τον Vlasenko για αρκετά χρόνια – την τελευταία του χρονιά στο ωδείο και ως βοηθός ασκούμενος. Ίσως αυτές ήταν οι πιο φωτεινές και συναρπαστικές σελίδες της παιδαγωγικής βιογραφίας του Λεβ Νικολάεβιτς…

Διδασκαλία σημαίνει διαρκώς απαντήσεις σε ορισμένες ερωτήσεις, επίλυση πολυάριθμων και απροσδόκητων προβλημάτων που θέτει η ζωή, η εκπαιδευτική πρακτική και η μαθητική νεολαία. Τι πρέπει, για παράδειγμα, να λαμβάνεται υπόψη κατά την επιλογή ενός εκπαιδευτικού και παιδαγωγικού ρεπερτορίου; Πώς χτίζετε σχέσεις με τους μαθητές; πώς να διεξάγετε ένα μάθημα ώστε να είναι όσο το δυνατόν πιο αποτελεσματικό; Ίσως όμως το μεγαλύτερο άγχος δημιουργείται για κάθε δάσκαλο του ωδείου σε σχέση με τις δημόσιες παραστάσεις των μαθητών του. Και οι ίδιοι οι νέοι μουσικοί αναζητούν επίμονα απάντηση από τους καθηγητές: τι χρειάζεται για σκηνική επιτυχία; είναι δυνατόν με κάποιο τρόπο να το προετοιμάσουμε, να το "παρέχουμε"; Ταυτόχρονα, προφανείς αλήθειες –όπως το γεγονός ότι, λένε, το πρόγραμμα πρέπει να είναι επαρκώς μαθημένο, τεχνικά «γίνεται» και ότι «όλα πρέπει να πάνε καλά και να βγουν έξω»– ελάχιστοι άνθρωποι μπορούν να μείνουν ικανοποιημένοι. Ο Vlasenko ξέρει ότι σε τέτοιες περιπτώσεις μπορεί κανείς να πει κάτι πραγματικά χρήσιμο και απαραίτητο μόνο με βάση τη δική του εμπειρία. Μόνο αν ξεκινήσεις από τον έμπειρο και έμπειρο από αυτόν. Στην πραγματικότητα, αυτό ακριβώς περιμένουν από αυτόν όσοι διδάσκει. «Η τέχνη είναι η εμπειρία της προσωπικής ζωής, που λέγεται με εικόνες, με αισθήσεις», έγραψε ο Τολστόι, « προσωπική εμπειρία που ισχυρίζεται ότι είναι μια γενίκευση» (Tolstykh VI Art and Morality. – M., 1973. S. 265, 266.). Η τέχνη της διδασκαλίας, ακόμη περισσότερο. Ως εκ τούτου, ο Lev Nikolaevich αναφέρεται πρόθυμα στη δική του πρακτική εκτέλεσης – τόσο στην τάξη, μεταξύ των μαθητών, όσο και σε δημόσιες συνομιλίες και συνεντεύξεις:

«Στη σκηνή συμβαίνουν συνεχώς κάποια απρόβλεπτα, ανεξήγητα πράγματα. Για παράδειγμα, μπορώ να φτάσω στην αίθουσα συναυλιών ξεκούραστος, προετοιμασμένος για την παράσταση, σίγουρος για τον εαυτό μου – και το clavierabend θα περάσει χωρίς πολύ ενθουσιασμό. Και αντίστροφα. Μπορώ να βγω στη σκηνή σε τέτοια κατάσταση που φαίνεται ότι δεν θα μπορέσω να βγάλω ούτε μια νότα από το όργανο – και το παιχνίδι ξαφνικά θα «φύγει». Και όλα θα γίνουν εύκολα, ευχάριστα… Τι συμβαίνει εδώ; Δεν ξέρω. Και μάλλον κανείς δεν ξέρει.

Αν και υπάρχει κάτι να προβλέψεις για να διευκολύνεις τα πρώτα λεπτά της παραμονής σου στη σκηνή –και είναι τα πιο δύσκολα, ανήσυχα, αναξιόπιστα…– νομίζω ότι είναι ακόμα δυνατό. Αυτό που έχει σημασία, για παράδειγμα, είναι η ίδια η κατασκευή του προγράμματος, η διάταξη του. Κάθε ερμηνευτής γνωρίζει πόσο σημαντικό είναι αυτό – και ακριβώς σε σχέση με το πρόβλημα της ποπ ευεξίας. Καταρχήν, τείνω να ξεκινήσω ένα κονσέρτο με ένα κομμάτι στο οποίο νιώθω όσο το δυνατόν πιο ήρεμος και σίγουρος. Όταν παίζω, προσπαθώ να ακούω όσο πιο προσεκτικά γίνεται τον ήχο του πιάνου. προσαρμοστούν στην ακουστική του δωματίου. Με λίγα λόγια, προσπαθώ να μπω πλήρως, να βυθιστώ στη διαδικασία της παράστασης, να με ενδιαφέρει αυτό που κάνω. Αυτό είναι το πιο σημαντικό πράγμα – να ενδιαφερθείτε, να παρασυρθείτε, να συγκεντρωθείτε πλήρως στο παιχνίδι. Τότε ο ενθουσιασμός αρχίζει να υποχωρεί σταδιακά. Ή ίσως απλά σταματήσεις να το παρατηρείς. Από εδώ είναι ήδη ένα βήμα προς τη δημιουργική κατάσταση που απαιτείται.

Ο Vlasenko αποδίδει μεγάλη σημασία σε όλα όσα με τον ένα ή τον άλλο τρόπο προηγούνται μιας δημόσιας ομιλίας. «Θυμάμαι μια φορά που μιλούσα για αυτό το θέμα με την υπέροχη Ούγγρα πιανίστα Annie Fischer. Έχει μια ιδιαίτερη ρουτίνα την ημέρα της συναυλίας. Δεν τρώει σχεδόν τίποτα. Ένα βραστό αυγό χωρίς αλάτι, και αυτό είναι. Αυτό τη βοηθά να βρει την απαραίτητη ψυχο-φυσιολογική κατάσταση στη σκηνή – νευρικά αισιόδοξη, χαρούμενη ενθουσιασμένη, ίσως και λίγο εξυψωμένη. Εμφανίζεται εκείνη η ιδιαίτερη λεπτότητα και οξύτητα των συναισθημάτων, που είναι απολύτως απαραίτητη για έναν ερμηνευτή συναυλιών.

Όλα αυτά, παρεμπιπτόντως, εξηγούνται εύκολα. Εάν ένα άτομο είναι γεμάτο, συνήθως τείνει να πέσει σε μια αυτάρεσκα χαλαρή κατάσταση, έτσι δεν είναι; Από μόνο του, μπορεί να είναι και ευχάριστο και «άνετο», αλλά δεν είναι πολύ κατάλληλο για παράσταση μπροστά σε κοινό. Γιατί μόνο ένας που είναι εσωτερικά ηλεκτρισμένος, που έχει όλες τις πνευματικές χορδές του να δονούνται έντονα, μπορεί να προκαλέσει μια ανταπόκριση από το κοινό, να το ωθήσει σε ενσυναίσθηση…

Επομένως, μερικές φορές συμβαίνει το ίδιο, όπως έχω ήδη αναφέρει παραπάνω. Φαίνεται ότι όλα είναι ευνοϊκά για μια επιτυχημένη παράσταση: ο καλλιτέχνης αισθάνεται καλά, είναι εσωτερικά ήρεμος, ισορροπημένος, σχεδόν σίγουρος για τις ικανότητές του. Και η συναυλία είναι άχρωμη. Δεν υπάρχει συναισθηματικό ρεύμα. Και τα σχόλια των ακροατών, φυσικά, επίσης…

Εν ολίγοις, είναι απαραίτητο να διορθώσετε τα σφάλματα, να σκεφτείτε την καθημερινή ρουτίνα την παραμονή της παράστασης – ιδιαίτερα τη δίαιτα – είναι απαραίτητη.

Αλλά, φυσικά, αυτή είναι μόνο η μία πλευρά του θέματος. Μάλλον εξωτερικό. Μιλώντας σε γενικές γραμμές, ολόκληρη η ζωή ενός καλλιτέχνη – ιδανικά – θα έπρεπε να είναι τέτοια ώστε να είναι πάντα, ανά πάσα στιγμή, έτοιμος να ανταποκριθεί με την ψυχή του στο υπέροχο, πνευματικό, ποιητικά όμορφο. Πιθανώς, δεν χρειάζεται να αποδείξουμε ότι ένας άνθρωπος που ενδιαφέρεται για την τέχνη, που αγαπά τη λογοτεχνία, την ποίηση, τη ζωγραφική, το θέατρο, είναι πολύ πιο διατεθειμένος σε υψηλά συναισθήματα από έναν μέσο άνθρωπο, του οποίου όλα τα ενδιαφέροντα είναι συγκεντρωμένα στη σφαίρα των συνηθισμένων, υλικών, καθημερινών.

Οι νέοι καλλιτέχνες ακούν συχνά πριν από τις εμφανίσεις τους: «Μην σκέφτεσαι το κοινό! Παρεμβαίνει! Σκεφτείτε στη σκηνή μόνο τι κάνετε μόνοι σας…». Ο Vlasenko λέει σχετικά: «Είναι εύκολο να συμβουλεύεις…». Γνωρίζει καλά την πολυπλοκότητα, την ασάφεια, τη διττότητα αυτής της κατάστασης:

«Υπάρχει κοινό για εμένα προσωπικά κατά τη διάρκεια μιας παράστασης; Την παρατηρώ; Ναι και ΟΧΙ. Από τη μια, όταν μπαίνεις ολοκληρωτικά στη διαδικασία της παράστασης, είναι σαν να μην σκέφτεσαι το κοινό. Ξεχνάς εντελώς τα πάντα εκτός από αυτά που κάνεις στο πληκτρολόγιο. Κι όμως… Κάθε μουσικός συναυλιών έχει μια ορισμένη έκτη αίσθηση – «την αίσθηση του κοινού», θα έλεγα. Και επομένως, την αντίδραση όσων βρίσκονται στην αίθουσα, τη στάση του κόσμου απέναντί ​​σας και το παιχνίδι σας, αισθάνεστε συνεχώς.

Ξέρεις τι είναι πιο σημαντικό για μένα κατά τη διάρκεια μιας συναυλίας; Και το πιο αποκαλυπτικό; Σιωπή. Διότι όλα μπορούν να οργανωθούν – τόσο η διαφήμιση, όσο και η κατάληψη των χώρων, και χειροκροτήματα, λουλούδια, συγχαρητήρια, και ούτω καθεξής και ούτω καθεξής, τα πάντα εκτός από τη σιωπή. Αν η αίθουσα πάγωσε, κρατούσε την αναπνοή της, σημαίνει ότι κάτι συμβαίνει πραγματικά στη σκηνή – κάτι σημαντικό, συναρπαστικό…

Όταν νιώθω κατά τη διάρκεια του παιχνιδιού ότι έχω τραβήξει την προσοχή του κοινού, μου δίνει μια τεράστια έκρηξη ενέργειας. Χρησιμεύει ως ένα είδος ντόπινγκ. Τέτοιες στιγμές είναι μεγάλη ευτυχία για τον ερμηνευτή, το απόλυτο των ονείρων του. Ωστόσο, όπως κάθε μεγάλη χαρά, αυτό συμβαίνει σπάνια.

Συμβαίνει ο Λεβ Νικολάγιεβιτς να ρωτιέται: πιστεύει στη σκηνική έμπνευση – αυτός, ένας επαγγελματίας καλλιτέχνης, για τον οποίο η παράσταση μπροστά στο κοινό είναι ουσιαστικά μια δουλειά που παίζεται τακτικά, σε μεγάλη κλίμακα, εδώ και πολλά χρόνια… φυσικά, η ίδια η λέξη «έμπνευση» » εντελώς φθαρμένη, σφραγισμένη, φθαρμένη από τη συχνή χρήση. Με όλα αυτά, πιστέψτε με, κάθε καλλιτέχνης είναι έτοιμος σχεδόν να προσευχηθεί για έμπνευση. Η αίσθηση εδώ είναι μοναδική: σαν να είσαι ο συγγραφέας της μουσικής που εκτελείται. σαν τα πάντα μέσα σε αυτό να τα δημιούργησες εσύ ο ίδιος. Και πόσα νέα, απρόσμενα, πραγματικά επιτυχημένα πράγματα γεννιούνται τέτοιες στιγμές στη σκηνή! Και κυριολεκτικά σε όλα – στον χρωματισμό του ήχου, στη φρασεολογία, στις ρυθμικές αποχρώσεις κ.λπ.

Θα πω το εξής: είναι πολύ πιθανό να δώσεις μια καλή, επαγγελματικά σταθερή συναυλία ακόμη και αν δεν υπάρχει έμπνευση. Υπάρχουν πολλές τέτοιες περιπτώσεις. Αλλά αν έρθει έμπνευση στον καλλιτέχνη, η συναυλία μπορεί να γίνει αξέχαστη…».

Όπως γνωρίζετε, δεν υπάρχουν αξιόπιστοι τρόποι για να προκαλέσετε έμπνευση στη σκηνή. Αλλά είναι δυνατό να δημιουργηθούν συνθήκες που, σε κάθε περίπτωση, θα ήταν ευνοϊκές γι 'αυτόν, θα προετοιμάσουν το κατάλληλο έδαφος, πιστεύει ο Lev Nikolayevich.

«Πρώτα από όλα, μια ψυχολογική απόχρωση είναι σημαντική εδώ. Πρέπει να ξέρεις και να πιστεύεις: ό,τι μπορείς να κάνεις στη σκηνή, δεν θα το κάνει κανείς άλλος. Ας μην είναι έτσι παντού, αλλά μόνο σε ένα συγκεκριμένο ρεπερτόριο, στα έργα ενός ή δύο ή τριών συγγραφέων – δεν πειράζει, δεν είναι αυτό το θέμα. Το κύριο πράγμα, επαναλαμβάνω, είναι το ίδιο το συναίσθημα: όπως παίζεις εσύ, ο άλλος δεν θα παίξει. Αυτός, αυτός ο φανταστικός «άλλος», μπορεί να έχει πιο δυνατή τεχνική, πιο πλούσιο ρεπερτόριο, πιο εκτεταμένη εμπειρία – οτιδήποτε. Αλλά αυτός, ωστόσο, δεν θα τραγουδήσει τη φράση όπως εσείς, δεν θα βρει τόσο ενδιαφέρουσα και λεπτή ηχητική απόχρωση…

Το συναίσθημα για το οποίο μιλάω τώρα πρέπει να είναι οικείο σε έναν μουσικό συναυλιών. Εμπνέει, σηκώνει, βοηθά σε δύσκολες στιγμές στη σκηνή.

Σκέφτομαι συχνά τον δάσκαλό μου Yakov Vladimirovich Flier. Πάντα προσπαθούσε να φτιάξει τη διάθεση των μαθητών – τους έκανε να πιστέψουν στον εαυτό τους. Σε στιγμές αμφιβολίας, που δεν πήγαιναν όλα καλά μαζί μας, με κάποιο τρόπο ενστάλαξε το καλό πνεύμα, την αισιοδοξία και την καλή δημιουργική διάθεση. Και αυτό μας έφερε, τους μαθητές της τάξης του, ένα αναμφισβήτητο όφελος.

Νομίζω ότι σχεδόν κάθε καλλιτέχνης που εμφανίζεται σε μια μεγάλη σκηνή συναυλιών είναι πεπεισμένος στα βάθη της ψυχής του ότι παίζει λίγο καλύτερα από άλλους. Ή, εν πάση περιπτώσει, ίσως είναι σε θέση να παίξει καλύτερα… Και δεν χρειάζεται να κατηγορήσουμε κανέναν για αυτό – υπάρχει λόγος για αυτή την αυτοπροσαρμογή.

… Το 1988, πραγματοποιήθηκε ένα μεγάλο διεθνές μουσικό φεστιβάλ στο Σανταντέρ (Ισπανία). Προσέλκυσε την ιδιαίτερη προσοχή του κοινού – μεταξύ των συμμετεχόντων ήταν οι I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy και άλλοι εξέχοντες Ευρωπαίοι και ξένοι καλλιτέχνες. Οι συναυλίες του Lev Nikolaevich Vlasenko πραγματοποιήθηκαν με πραγματική επιτυχία στο πλαίσιο αυτού του μουσικού φεστιβάλ. Οι κριτικοί μίλησαν με θαυμασμό για το ταλέντο του, την ικανότητά του, την ευχάριστη ικανότητά του να «παρασύρεται και να αιχμαλωτίζει…» Οι παραστάσεις στην Ισπανία, όπως και οι άλλες περιοδείες του Vlasenko στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του ογδόντα, επιβεβαίωσαν πειστικά ότι το ενδιαφέρον για την τέχνη του δεν είχε αμβλυνθεί. Βρίσκεται ακόμα σε περίοπτη θέση στη σύγχρονη συναυλιακή ζωή, σοβιετική και ξένη. Αλλά το να κρατήσεις αυτό το μέρος είναι πολύ πιο δύσκολο από το να το κερδίσεις.

Γ. Τσίπιν, 1990